El Site de Felipe Pirela

De Coleccionistas de música popular

2012-01-31T19:06:00.000-08:00

La semana anterior en el artículo “De músicos y cantantes anónimos” escribí sobre aquellos que ejercen la profesión, aun sin gozar de un gran reconocimiento público. Hablando de anónimos, un lector me hizo notar que de igual modo existe gente que sin formar parte de la academia de la historia o de algún Ministerio de Cultura, se han dedicado a coleccionar lo que es parte de la cultura popular: discos, revistas, videos de cantantes, músicos y artistas latinos.

“La curiosidad es algo rápido y superficial, el interés significa que tienes un ensimismamiento duradero en algo, que estas metido realmente en ello” le dice Marlon Brando a Lawrence Grobel en la entrevista que le hace al mito del cine. Recuerdo esta cita al pensar en los coleccionistas de todo aquello que tiene que ver con el medio del espectáculo, esa gente inclasificada que guarda y almacena desde fotos hasta cancioneros, pasando por discos y otras peculiaridades.

En nuestros países, al menos en Venezuela, lo popular no ocupa un lugar preeminente en las academias ni goza de alta estima cuando de su conservación o estudio se trata. Es por ello que, el “trabajo” o interés de esos pocos será lo que ayudará a mantener la memoria colectiva para una mayoría.

Pero ¿Qué anima a una persona a coleccionar algo? ¿Qué interés puedes tener en un gusto que no es en modo alguno remunerado si no que por el contrario representa un gasto que tiende a engrosar el presupuesto sin contar el tiempo que se le invierte? Seguramente el gusto, (todos nos movemos por placer cuando no hay obligaciones sociales o económicas de por medio) y la conciencia de saber que se esta ante un elemento que quizás, aunque no sea visto como algo significativo en este tiempo, lo será para las generaciones futuras.

¿Quién sería Kafka sin el amigo que desobedeció su orden de quemarlo todo? La sagacidad de ese lector nos trajo la obra de un novelista fundamental, de igual modo, así sea de un modo ínfimo y menor, quien conserva un vestigio de la historia, esta trabajando para el futuro de la memoria colectiva, nunca se sabe donde habrán tesoros desconocidos o nos ayude a recordar aquellos que tienden a quedar relegados. Luego los historiadores, investigadores y escritores sabrán usar ese material, el cual es imperiosamente necesario porque de allí siempre se parte.

Héctor Murga

2012-01-31T18:46:00.000-08:00

Por: Luis Ugueto

Mucho del valor de un cantante reside en sus canciones, en la capacidad de escoger su repertorio o de encontrar un productor que decida por él, no solamente los temas más adecuados, también aquellos que pudieran llegar a ser éxitos. En la historia de la música existen algunos casos de excelentes vocalistas con mala suerte para seleccionar sus temas. Uno de ellos es el de Héctor Murga, figura de primer nivel en el negocio del espectáculo venezolano.

Fue artista exclusivo de CVTV, RCTV y Venevisión por largas temporadas y participó exitosamente en los históricos festivales llamados “La voz de oro” en Barquisimeto entre finales de los sesenta y comienzos de la década del setenta. Sin embargo y aunque demostró ser un interprete técnico y extraordinario nunca logró “pegar” temas en la radio, a excepción del vals “Vesperal” en 1959 y la balada “El arlequín de Toledo” diez años después.

No obstante el público que asistía a sus shows o lo veía actuar por televisión recuerda con emoción sus versiones de temas como “Granada” de Agustín Lara, donde Héctor Murga no dejaba lugar a dudas sobre la supremacía de su potente voz.

Como dijo Víctor Morillo en su humorístico lenguaje bélico musical: “Murga era un criminal, por algo entre tantos buenos cantantes, Agustín Lara lo escogió para interpretar su música en su visita a Venezuela de junio de 1959”. En aquella oportunidad, Murga recibió las mejores críticas de la prensa y del compositor mexicano, quien luego lo invitó a actuar en México.

Desde niño el llamado “Señor de la Canción”, dió muestras de que seria un gran tenor al interpretar zarzuelas en el Teatro Nacional. En esa época de su vida todo parecía indicar que el canto lírico seria su futuro, pero decidió ingresar a la Fuerza Aérea.

Hacia 1956, retoma su vocación artística y debuta como profesional en los programas de televisión “Hit parade” y “La revista de Big Ben” por RCTV. Así comenzó una carrera que a pesar de la modestia de sus éxitos discográficos, lo llevo de gira por países como España, donde a comienzos del sesenta cumplió una gira que los periodistas de farándula calificaron de triunfal.

Hace poco, el sello Gilmar, actual propietario del catalogo de Venevox lo incluyó en la compilación (six pack) “Voces de oro de Venezuela” con un estupendo disco que Murga grabó para esta compañía en Cuba el mes de noviembre de 1959, con la orquesta de Sánchez Ferrer.

Les recomiendo a mis coetáneos, cantantes, músicos e interesados en el negocio del espectáculo, escuchen a Murga, su voz habla de un mundo sin Pro tools ni “RTAS” mágicos como el “Autotune”, cuando los cantantes eran afinados y tenían buena dicción.

De músicos y cantantes “anónimos”

2012-01-24T16:30:00.001-08:00

Por: C.Luisa Ugueto

En el articulo “Cuatro Celebres desconocidos” Luis Ugueto comenta que dentro de la profesión de artista, a veces, más vale ser disciplinado que talentoso, más vale ser perseverante que habilidoso para cantar o componer. Woody Allen diría que en el arte, como en todo en la vida, también influye la suerte para obtener “éxitos” o “fracasos”. A mi, sin embargo, me gusta más la idea de que la constancia y el valor (muchos carreras se han perdido por el miedo a lanzarse) son los determinantes para hacer de un artista talentoso (pero anónimo o poco conocido) uno con talento y también fama.

Hay artistas abrumadoramente famosos, que no son necesariamente talentosos. No diré nombres, pero creo que todo el mundo se sabe uno o dos de personajes, de los que siempre nos preguntamos: “¿Y este como es que pego?”, la fama no es sinónimo de arte, de méritos, de talento, y mucho menos en esta época que basta con bailar desnuda para lograr una notoriedad ostensible (ojo que baile desnuda quien quiera, nada tengo en contra…).

De igual modo, así como la fama no es sinónimo de talento, tener talento no es necesariamente un modo rápido para obtener reconocimiento o éxito. El mercado es caprichoso, a la gente le gusta lo que le da la gana que le guste, eso no puede saberse. También la disciplina o el valor para lanzarse al ruedo en el momento oportuno influye, insisto: cuantos artistas no se han quedado relegados por temor a dedicar su vida profesional a una carrera que en su momento calificaron de “incierta”.

A mi manera de ver, un verdadero artista no hace lo que hace (cantar, escribir, tocar) pensando en fama o en fortuna. Un verdadero artista no puede evitar hacer lo que hace, independientemente de que tenga público o no, independientemente de que lo haga a solas, logre vivir de ello o su talento se convierta sólo en un hobby de fines de semanas y vacaciones. No es lo ideal, pero al final de cuentas, quien ejerce el arte termina ejerciéndolo con placer, tan solo porque no le queda otra opción, como se dice en el film argentino “El secreto de sus ojos”, no se puede cambiar de pasión. Eso creo.

Néstor Zavarce

2012-01-24T16:30:00.000-08:00

Por: Luis Ugueto para Perspectivas / La verdad del Zulia

Zigzagueo entre los carros por la regional del centro y el tacómetro de mi TX marca 110 km, temo llegar tarde a mi cita con la historia de Néstor Zavarce. No tengo que decir que es otro icono de nuestro negocio del espectáculo, aunque pareciera que el país no lo recuerda, pues su legado no constituye un referente para las nuevas generaciones quienes sencillamenten lo ignoran, no saben que existe (a pesar de que no hay fin de año sin “Faltan cinco pa´ las doce”)

Voy al encuentro de José Zavarce, un sobrino de la estrella que se ha encargado de reconstruir su historia a través de un libro que todavía es manuscrito, pero que quizás en un par de años este a la disposición del público. Meses antes de morir, Néstor le confió sus recuerdos en varias horas de entrevistas. Fue una época en que casi nadie sabía de su paradero, no quería hablar con periodistas y menos que lo tentaran con la idea de presentarse nuevamente.

Zavarce se retiro del canto a comienzos de los años ochenta para dedicarse de lleno a la política. Desde la década del sesenta coqueteaba con ella mediante su actividad gremialista a favor de los derechos de los artistas. En esos días – abril de 1966 - protagonizó junto a Mario Suárez, entre otros, una huelga de hambre para exigirle al Gobierno Nacional que regulara la contratación, difusión de discos y películas de los artistas mexicanos, por considerar que les restaban oportunidades a los venezolanos.

Su carrera comenzó en 1949 siendo apenas un niño de doce años, al actuar junto a Arturo de Córdova, Juana Sujo y Tomas Enríquez en el film, de Carlos Hugo Christensen, “La balandra Isabel llego esta tarde”. Es fascinante la historia que relata José Zavarce en su proyecto de libro, cuenta que Néstor leyó en la prensa sobre el rodaje de la película y se escapo de su casa para ir a Bolívar Films a pedir una audición. De la noche a la mañana su vida cambio al entrar por la puerta grande al mundo del cine, antes de finalizar la década del cincuenta ya había rodado otras cuatro películas en varios países latinoamericanos y realizaba estudios en la materia en Chile y Argentina.

Sin embargo, su vida artística tomaría un rumbo inesperado al incursionar como cantante gracias a la insistencia de Oswaldo Oropeza. Entonces su voz protagonizaría uno de los sucesos más importantes de la industria del disco en Venezuela: “El pájaro Chagüi”.

Los detalles de esa historia y muchas otras, esperan por la narración de José, es una tarea pendiente no solo con el personaje, también con la sociedad que necesita salvar para la posteridad el legado de uno de sus hijos más queridos.

Cuatro célebres desconocidos

2012-01-21T17:07:00.000-08:00

Por: Luis Ugueto

Ser artista es una de las profesiones más difíciles, ingratas y a la vez satisfactorias que existen. Pocos disfrutan tanto de su trabajo como un cantante o un músico, la felicidad les sale por los poros cuando están en una tarima y el público los aplaude, incluso cuando nadie los va a ver tocan como si la sala estuviera llena, y le brindan su mejor sonrisa a los pocos que pagaron el boleto.

Aunque en el negocio del espectáculo son contados los que logran la consagración, en contraposición a los muchos que anhelan “llegar” como se dice en el argot de la farándula, no siempre los que logran el éxito son a menudo los mejores. Es como dice el refrán popular, “Los que están no son todos los que son y los que son, no son todos los que están”. Puede valer más que el mismo talento, la constancia, una buena palanca o eso que llaman suerte.

Para la gente de mi generación que escucha a Voz Veis y Vocal Song y que cantaron hasta el cansancio las canciones de Boys Two Men y Song by four; o para nuestros padres, que compraban los long playing de The Supremes y Quinteto Contrapunto, de seguro no les resulta familiar el nombre de “Los Cuatro”. Pero no hay cuidado, muchos especialistas en materia musical ignoran quienes fueron y cuáles son sus méritos.

“Los Cuatro”, son los predecesores en Venezuela de los grupos de polifonía vocal. Surgieron en 1959 y lograron un acople de voces notablemente distinto al de otros cuartetos latinos de prestigio como Los Hermanos Castro, Los Cuatro Soles, Los Hispanos, El Cuarteto D´Aida o Los Montemar. Cantaban jazz, bosanova, música criolla, boleros y modernos mambos, con cadencias similares a The Hi-Lo’s y Four Freshmen, grupos norteamericanos muy populares en la década del cincuenta.

Los Cuatro estaban formados por integrantes del orfeón Universitario de Caracas: Martin Morillo (cuarta voz) Carmelo Rodríguez (tercera voz) Dionis Padrón (segunda voz) Ali Agüero (también segunda voz a partir de 1964) José Inojosa (primera voz) y Julián Romero, pianista y conceptualista del cuarteto. Por varios años actuaron casi a diario en los programas de televisión de Renny Otolina, y Aldemaro Romero, quien junto a Freddy León les produjo dos LP`s y varios sencillos de 45 rpm. Sus voces también se escucharon en un sinfín de comerciales para radio y tv, y en los coros de algunos discos de Alfredo Sadel, Ramón Márquez Villa, Germán Fernando y Mario Suarez, entre otros.

Pero el éxito les fue esquivo, quizás porque su estilo como dicen los disqueros – quienes creen entender y adivinar el gusto del público – no era comercial. Nunca quisieron hacer concesiones que vulneraran sus ideas de la música y desaparecieron antes de terminar la mítica década del sesenta. Tal vez el tiempo reivindique su legado, ya no para ser populares, sino reconocidos como pioneros de los grupos polifónicos en Venezuela.

En Radio: Tarde de Buenos Tiempos con Alfredo Churión

2012-01-18T12:13:00.000-08:00

por: C.Luisa Ugueto

Marlon Brando le dice a Lawrence Grobel en “Yo confieso”, con su estilo desenfadado que a la gente no le importa nada, que quieren estar adormecidos y no tienen conciencia de lo que acontece a su alrededor. Quizás es verdad, no lo sé, pero yo creo que Brando se equivoca, a la gente le importan los recuerdos, a la gente le gusta atesorar momentos en la memoria y uno de los modos de hacerlo es a través de la música.

Es por ello que desde su aparición, hace ya diecisiete años, Tarde de Buenos Tiempos, conducido por Alfredo Churión, presenta una diversidad de temas, que permite que el oyente comience escuchando a Los Beatles y termine con Monna Bell, sin percatarse de que durante ese tiempo ha transitado por creaciones e interpretaciones de Los Supersónicos, Los Zeppy, Dimensión Latina, La Billo`s, Juan Vicente Torrealba, Juan Legido, Carlos Gardel, Lucho Gatica, Sandro, Leonardo Favio, Frank Sinatra, Charles Aznavour, entre otros.

Durante los trece años en que se transmitió por Radio Capital llegó a reunir un gran número de seguidores. Actualmente se transmite por Radio Recuerdos 1300AM, entre 12:00 pm y 6:00pm, los domingos.

El Programa ha editado 5 discos con la música que allí se transmite y acaba de salir a la venta el libro “Tarde de Buenos Tiempos: Una visión muy particular de la Radio en Venezuela”, escrito por Alfredo Churión.

Churión nació en Caracas, y a mediados de los años sesenta obtuvo el titulo de Critica y Apreciación Musical, es por ese tiempo que comienza a colaborar en diversos medios impresos: Tv Guía, Canciones, Variedades, El Mundo, Gente en Ambiente, El Periodiquito, entre otros. De igual modo, ha trabajado en calidad de productor de diferentes empresas discográficas, y posee amplia experiencia como locutor de Radio.

Tardes de Buenos Tiempos se puede escuchar haciendo click aquí.

Billo`s Revisitado: Cheo García

2012-01-16T15:51:00.000-08:00

por: C.Luisa Ugueto

“Una de las cosas que he aprendido escribiendo es que lo más importante es el fin. La gente, la gente real, la gente que vive y camina, le tiene miedo al fin. Nadie quiere que algo termine” escribió Alberto Fuguet en su libro “Apuntes Autistas”. El 21 de octubre de 1979, Cheo García a sus 53 años ofrecía una entrevista a Venezuela Gráfica, sobre su carrera en la Orquesta Billo`s, que para ese entonces ya contaba con mas de 19 años, es decir el cantante estaba viviendo las postrimerías de su época de gloria.

¿Cuál es “el fin” de un artista? ¿Cuándo termina una carrera? ¿Con el cese de las funciones? ¿Con la muerte? Quizás la carrera de un artista termine cuando es presa del olvido, cuando deja de “sonar”. No es este el caso de Cheo García, no permitamos que lo sea, recordando esta entrevista, donde cuenta anécdotas de su vida y su experiencia con “La más popular de Venezuela”, en ella, el cantante zuliano manifiesta la satisfacción por una carrera que sentía como exitosa. Miremos un poco atrás recordando fragmentos de esa entrevista realizada por Gustavo Gil.

Inicios

“Yo me sentaba en una esquina, con una escoba como guitarra y allí cantaba a grito pelao. Unos señores se fijaron en mí y me llevaron a un concurso para aficionados en la emisora Ondas del Caribe. Gané el primer premio y empezó mi Odisea.”

….

“Uno de los pasos más importantes que di en mi vida fue venirme para Caracas. Llegué en un vuelo nocturno cuyo costo fue de 96 bolívares. Me quedaron solo cuatro bolívares, ya que había arrancado de Maracaibo con un marrón. Un chofer me hizo el favor de subirme desde Maiquetía y le pague con lo que me quedaba”

La orquesta

“Quiero a la Orquesta y me considero un compañero mas. Mucha gente cree que tengo acciones, dinero invertido, cuando la orquesta solo cuenta con mi presencia”

“Voy para veinte años con la orquesta y cada día estoy mas convencido de que si me hubiera quedado en Maracaibo seria un fracaso”

“Mi meta fue siempre trabajar al lado de Billo”

….

Trayectoria

“En realidad estoy cansando, ¿y quien no? El público no se da cuenta, pero los viajes seguidos, el trasnocho, y en fin, la vida nocturna consume y desgasta el organismo”

….

Público

"Mi agradecimiento es infinito hacia el público que ha sido tan receptivo con la orquesta y particularmente conmigo”

Venezuela Gráfica, 21 de Octubre de 1979.

Blanca Rosa Gil y el bolero prohibido

2012-01-10T07:24:00.000-08:00

por: Luis Ugueto para Perspectivas / La verdad del Zulia

No sé porque cuando se habla de los años sesenta casi siempre se hace referencia al Rock y las baladas de San Remo o Benidorm como la banda sonora de los grandes acontecimientos socio culturales de ese tiempo. Pareciera que los pantalones campana, las minifaldas, el LSD, la guerrilla y las luchas por los derechos de las minorías no son compatibles con los ritmos latinos y los cientos de boleros surgidos al calor de la década.

Al hablar de los éxitos de la radio en cualquier país de América en 1966, es obligado mencionar a Blanca Rosa Gil, quien no solamente sacudió el negocio del espectáculo con su audaz estilo interpretativo, sino que también se convirtió a través de sus canciones, en la voz de muchas mujeres maltratadas que se vieron reflejadas en temas como “Bagazo”, “Cobarde mil veces” y “Hambre”, una melodía que fue el grito silencioso de las damas insatisfechas en una sociedad puritana.

Blanca Rosa es de origen cubano pero inicio su carrera artística en nuestro país a la edad de 15 años. Recientemente en una entrevista para un canal de televisión en la ciudad de Miami, donde reapareció luego de 18 años alejada de los escenarios, recordó su viaje a Caracas, donde fue descubierta por el profesor Arístides Borrego en la fiesta de cumpleaños de una prima suya, que trabajaba en el ballet de un canal de televisión. Borrego la presentó como profesional en el espacio de televisa “Humo y Fantasía” y luego el productor Gaspar Pumarejo, la contrata para llevarla a la Habana, donde triunfa en la radio, la TV y en la sala del legendario Alí Bar.

Para 1966 ya era una figura consagrada en toda América. Estaba radicada en México, tenía una hija y ganaba muy buen dinero por sus actuaciones. Sin embargo, después de “Hambre” su carrera daría un giro. El tema le pertenece al mexicano Rosendo Montiel, que la había creado a principios de 1965 para ser interpretada por Magda Franco. Pero el disco pasó sin pena ni gloria. Meses después la grabo Fernando Albuerne y tampoco ocurrió nada. Hasta que llegó a las manos de Blanca Rosa, levantando tal polémica, que las autoridades de comunicación venezolana, prohibieron su difusión a las 48 horas de tocarse por primera vez en las estaciones radio.

La curiosidad por saber que decía la canción prohibida estimulo las ventas del disco y la compañía Velvet despacho más de 55.000 copias en menos de dos meses, generando regalías de 10.000 dólares, una cifra altísima que introdujo a la cantante en el selecto grupo de las más vendedoras, “yo he grabado 13 long plays y en cada uno de ellos he tenido la suerte de pegar uno o dos tubazos, pero con Hambre, me la comí, esa es la verdad” afirmó La Muñequita que canta, en una entrevista para la revista Venezuela Gráfica en junio de 1966.

Aldemaro y su camaro, citas+mis favoritas

2012-01-10T07:19:00.000-08:00

por: C. Luisa Ugueto

Hay una frase que dice Aldemaro Romero en la entrevista que le hace Leonardo Padrón para su libro “Los Imposibles 3”, que me gusta mucho: Yo soy gregario, pero en cuanto a la gente que me gusta, con quien me gusta compartir, y yo ni amo ni odio la soledad porque simplemente no la experimento, y es que seguramente la soledad no era un problema para alguien con tantas melodías en la cabeza.

Llevo una semana pensando en Aldemaro Romero y su música, pero no voy a aburrirlos con mis comentarios, lo voy a dejar a hablar a él, acompañándolo de algunas canciones suyas que son mis favoritas. Solo para recordarlo, que nunca esta demás…

Poco a poco

“Yo siempre he dividido la música en dos categorías únicas: la música buena y la música mala, y ese caso se da tanto en la música clásica como en la música popular”

Lo que pasa contigo

“No concibo la música como un elemento subsidiario, sino como un elemento protagónico, al cual hay que prestarle atención”

Quinta Anauco

“Los músicos cuando oímos a un músico tocar sabemos quien es, como cuando una persona normal oye la voz de un locutor sabe de quien se trata"

Como lo haces tú

“Yo no uso arpa, cuatro y maracas. Yo uso piano, bajo y batería que es el trio fundamental del jazz en el mundo, siendo el jazz una de las músicas fundamentales de la cultura occidental”

Quien

“Yo creo que tengo la facilidad de asimilar y guardar en el reservorio de la memoria mas cantidad de conocimientos que los que tiene la gente común”

De Repente

“A finales de la década de los 60, yo tuve un accidente… y como soy tan inquieto, solo me quedaba pensar, porque no podía moverme, y me puse a meditar sobre lo que estaba ocurriendo en Argentina con Astor Piazzola, y la música que estaba ocurriendo en Brasil con la serie de héroes musicales de la bossa nova y dije “Venezuela necesita una música que compita con estos movimientos”

Las citas de Aldemaro cortesía Los Imposibles 3 / Leonardo Padrón. Aguilar (2008)

Ricardo Tirado

2012-01-03T20:00:00.001-08:00

por: Luis Ugueto para Perspectivas

Pocos días antes de saber de su fallecimiento habíamos hablado por teléfono. Quedamos en que nos veríamos para hablar de las “hermanitas” Márquez un dueto - a estas alturas - olvidado de dos hermanas que llenaron páginas importantes de la farándula nacional entre finales de la década del cincuenta y comienzos del sesenta. Le dije que tenía la información precisa de su retiro del medio artístico, que por cierto ocurrió luego del casamiento de una de ellas.

Conocí a Ricardo en 2002 en una estación de radio donde Álvaro Sánchez - un loco buena gente - hermano de Alfredo Sadel hacia un programa de boleros. Nos hicimos amigos casi de inmediato a pesar de que era un hombre de más de sesenta años y yo ni llegaba a los veinticinco. Para el momento nada sabía de él, Ricardo no era del tipo de persona que iba por la vida pregonando sus méritos ni hablando de su carrera. Fue un hombre modesto, amable, tenía un donaire que no se encuentra en la gente de hoy en día, una calidad humana que pareciera estar en extinción en esta época donde abunda la vulgaridad.

Ricardo Tirado a lo largo de su vida cumplió un arduo itinerario profesional dedicado a la cultura y las artes. A su muerte Rafael Arraíz Lucca declaró al Universal, "no sólo contribuyó a la historiografía de estos medios – Radio, Cine y TV - sino que tuvo una actuación importante en la Cinemateca Nacional, en la Televisora Nacional-Canal 5 y en Venezolana de Televisión, donde introdujo la telenovela brasileña".

Bajo su dirección, el Canal 5 vivió su más alta sintonía con la transmisión de las telenovelas "La Sucesora" y "La esclava Isaura". Es el productor exitoso de clásicos como “Doña perfecta” y “El hombre de hierro”. Y escribió los dos libros más importantes sobre el cine en Venezuela, “Memoria y notas del cine venezolano 1896-1959” y “Memoria y notas del cine venezolano. 1969-1977”. Muchas de sus vivencias y de su interacción con los grandes nombres de nuestro negocio del espectáculo están contenidos en sus libros: “Amores públicos” volumen uno y dos, bautizado un mes antes de su muerte, en noviembre de 2008.

No quiero olvidar mencionar que Ricardo junto a Oswaldo Yépez fue el descubridor de Mirla Castellanos. De esos años he leído sus interesantes artículos de crítica musical para la revista Bohemia, donde describe a personajes como Cherry Navarro con un sentido de trascendencia alejando de la frivolidad del periodismo de farándula que aún hoy en día resultaría complejo.

Música de la ciudad 7: Guillermo Dávila

2012-01-03T20:00:00.000-08:00

por: C.Luisa Ugueto L.

Guillermo Dávila tiene 56 años, yo 31.¿Cuantos años me lleva? So many… En mi niñez “El ídolo de esta generación” era el hombre perfecto, y no, este no es un post nostálgico, aunque admitámoslo la música es arte (sometimes), pero también memoria global, la música es ideología, forma parte de la conciencia colectiva, y de los referentes culturales de la gente, es decir siempre digo: “Estoy como Marta Sánchez” y yo me entiendo, (aunque la cantante española no es de mis favoritas, siempre que estoy “Desesperada/1991” me sale esa frase) debe ser que la música se pega (se incrusta en el pensamiento, te enturbia las ideas o las aclara depende de como se mire) y mucho más en la niñez o la primera juventud.

Debe ser que el páramo de la infancia te sigue en la época adulta y no puedes olvidar lo que te gustaba de niño cuando no tenias artificios ni prejuicios para contradecir el puro gusto, que es al final lo más importante. Y el que siempre termina quedándose contigo, a pesar del transcurso de los años.

Me gustaba mucho Guillermo Dávila, quería casarme con el, todavía quiero (¿Dónde vive? ¿Con quien? ), alguien me dijo que lo vio caminando por el Concresa, Centro Comercial cuyo arquitectura habla de otro tiempo (miren bien las letras enormes redondeadas de todo el frente), quizás esa época, en la que el cantante nacido en Caracas invadía la televisión, la radio y los medios del entretenimiento nacional con sus canciones y su imagen.

Su discografía, cuyo éxito siempre estuvo acompañado por sus apariciones en televisión (desde Ligia Elena 1982), nos ha dejado un bagaje de canciones cuyas melodías rondan a la Caracas buena nota, esa donde muchos que hoy son cincuentones eran pavos, esa de la clase media prospera, corbatas y granizados con pitillos mínimos (comí muchos de niña, creo que estaban de moda). Yo, por obvias razones cronológicas, no alcanzo a recordar los lanzamientos de sus primeros discos (a principios de los 80), pero tal parece que en los años 90 cuando comencé a ser consciente de la radio y la televisión (con 10 años), la carrera de Guillermo Dávila proseguía el camino de gloria que comenzó la década anterior. Todavía se podía escuchar: Es Cuestión De Tiempo (Mi favorita), Solo pienso en ti, Ves como es, Llevo Perfume A Ti (Otra favorita!!!), Juego Abierto, por nombrar pocas.

Guillermo Dávila siguió con éxito en los 90, tanto en las novelas como en la música, cuyas canciones eran el tema central de las diversas producciones que protagonizó: Adorable Mónica (1990), Cara Sucia (1992), Dulce Enemiga (1995), Contra Viento y Marea (1997), por nombrar algunas de esa década. Era una fórmula imbatible, de la cual participarían también artistas como Carlos Mata, y de la que terminaría beneficiándose de igual modo Ricardo Montaner. Todo el que cantaba la canción de la novela tenia el éxito asegurado (mucho más en su caso que de paso protagonizaba la telenovela en cuestión) aun hoy es así, con lo que queda de televisión nacional. Hany Kauam, obtuvo mucha de su fama, porque “Es tu amor” fue la canción central de un dramático en la desaparecida RCTV y acaba de repetir con “La mujer perfecta” de la novela homónima.

En “Yo confieso: Brandon al Desnudo”, una entrevista de Lawrence Grobel al icono del cine Marlon Brandon, este dice: “La gente a la que le gustas, sin haberte conocido jamás, piensan que eres absolutamente maravilloso”, quizás es lo que me pasa con Dávila, me parece absolutamente maravilloso, me gusta, ha envejecido bien en mis oídos, por su talento y por una iconografía de los días felices de mi infancia que no volverán.

Gildardo Álvarez, “la promoción” y Julio Jaramillo: entrevista

2012-01-01T11:29:00.000-08:00

Por: Luis Ugueto para Perspectivas

La promoción siempre ha sido un factor determinante en el éxito de un artista. Sin importar lo bueno que sea un producto de no promocionarse debidamente esta condenado al fracaso. No es exclusivo de esta época inducir el número de veces que un disco suena en la radio, la llamada payola es conocida en nuestro medio desde el tiempo de los discos 78 rpm. Un caso quizás poco conocido fue el de Julio Jaramillo.

Jaramillo debutó en Venezuela a través de la pantalla de RCTV el jueves 2 de noviembre de 1961, en el famoso “Show de las doce” conducido por Victor Saume. Fue un debut exitoso, la prensa tuvo buena critica hacia el y le prorrogaron una semana más su contrato. Al año siguiente volvió para la misma fecha y el sello Venevox editó sus nuevas grabaciones, que contrario a las proyecciones de los ejecutivos se quedaron estancadas en los almacenes. En aquel momento, el ahora propietario del sello Gilmar, Gildardo Álvarez, se estrenaba en el cargo de gerente de ventas de Venevox y crearía una estrategia para salvar el material de Julio Jaramillo:

Como esta empresa era de franceses y los vendedores eran españoles e italianos, no tenían conocimiento de la música latina, eran muy buenos para vender la música europea pero desconocían lo otro, por eso muchos discos no se movían. Cuando me dieron el cargo me asignaron la musica criolla y la española para trabajar. Asi descubrí a Julio Jaramillo y me enamoré de sus canciones.

La música de Jaramillo estaba prejuiciada, ¿qué pasaba con sus discos?

Se debía a su estilo y a la mala fama que tenía, solamente el ‘pueblo’ compraba su música. Entonces recurrí a un amigo muy especial, que era Rigoberto Mejía Jaime en Radio Tiempo. Un día reunido con él le mostré el material, le dije que le tenía mucha confianza que la gente lo pedía pero no sonaba en radio, que le hiciera una campaña a ver qué pasaba.

¿Tardo mucho en ver resultados?

Para nada, aumentamos las ventas rápidamente, el mismo Jaramillo me dijo, cuánto te agradezco, nunca había logrado que me promovieran yo vendía mis disquitos en Petare, Catia y en Maracaibo, pero aquí lo peruano y lo ecuatoriano no tenia cabida en radio… ¿cómo hiciste?. Claro, yo no le iba a decir me toco de cierta manera financiar su éxito, pero promocionarlo de esa forma fue clave.

Muchos periodistas describen a un Julio Jaramillo como un hombre de personalidad indefinible, lacónico o enigmático. ¿Como era el Julio Jaramillo que usted conoció?

Era un tipo sencillo, bastante normal, tal vez sin mayores aspiraciones, era feliz teniendo una novia, amigos, haciendo una fiesta, tomándose los tragos. Desde el punto de vista profesional, era uno de los mejores artistas para grabarle, él no le hacía perder tiempo a uno. Tenía la particularidad que se acomodaba a todos los ritmos. Por eso es que después de Gardel, Jaramillo fue el artista que llenó todas las expectativas. Le gustaba llegarle al pueblo, la mayoría de sus canciones tienen su parte romántica, bohemia, ranchera. Julio era como esas canciones.

Boleromanía de Velvet vol 1 y 2

2011-12-28T11:46:00.000-08:00

por: Luis Ugueto para Perspectivas

Al parecer, gracias a Luís Miguel, se ha despertado en estos últimos años un profundo interés por el bolero. O tal vez, la fascinación tenga mucho que ver con la longevidad del propio género que ya pasa de los 100 años, tomando como punto de partida la creación de Tristeza, obra del cubano José “ Pepe” Sánchez, quien cerca de 1885 la dio a conocer.

Más allá de la moda, la música que nace del espíritu libre de un verdadero creador, siempre se conserva fresca y vigente en el tiempo, encantando a todo aquel que se tope con ella, sin que en esto medie la edad o la condición social del interlocutor. Duke Ellintong, en una extraordinaria y asertiva economía de palabras, lo dijo mejor hace ya mucho tiempo, “solo existe la música buena y la del otro tipo”. Sin duda alguna, los temas contenidos en estos dos empaques de discos están en la primera categoría mencionada por el Duke, han resistido la dura prueba de los años.

Estas compilaciones especiales de Velvet sobre el bolero tiene como punto central el caso venezolano, sin dejar de lado, por supuesto, los grandes acontecimientos internacionales, que han estado vinculados a esta compañía. Casi todas las grabaciones proceden de la década del sesenta, o de los últimos años del cincuenta, época en que se consolidó el nombre de Velvet en el mundo del disco, siendo su gerente y productor José Pagé, factor clave en la consecución de este éxito, al firmar algunas de las voces mas representativas del bolero de los últimos 40 años.

En estos empaques que contiene cada uno seis discos y más de 120 boleros usted podra escuchar desde Panchito Riset y Daniel Santos, hasta Cherry Navarro, Estelita del Llano, Pirela, Sadel, Trio Venezuela, La Lupe y Blanca Rosa gil. La historia del género, ha sido decantada conceptualmente a través de sus protagonistas y Velvet, les ofrece una representativa muestra de estilos vocales y de acompañamiento, que narran su devenir con voz propia.

Sacven realizará publicación con el ganador y las menciones especiales de su VIII Concurso Nacional de Cuentos

2011-12-24T15:42:00.000-08:00

John Manuel Silva resultó elegido ganador en el VIII Concurso Nacional de Cuentos de Sacven con su cuento “Afrodita, C. A.”.

De igual manera se consideró pertinente otorgar menciones especiales a los siguientes cuentos, los cuales son citados a continuación en estricto orden alfabético:

Crisálida, de Eloy Yagüe Jarque
Después del Incendio, de Carlos Colmenares Gil
Final de Play, de Eduardo Febres
La verdad de las gacelas, de Mario Morenza
Lennon entre nosotros, de Philadelplhio Pastrán Giussepie
Mi Padre el Veterano, de Miguel Antonio Hidalgo Prince
Nadie nos preparó para esto, de Raymond Nedeljkovic Febles
No le cuentes tus secretos a cualquiera, de Carmen Luisa Ugueto Liendo.
Un nombre para mi salud, de Martha Patricia Durán Rodríguez

El jurado destacó la innegable calidad literaria presente en estos cuentos mencionados, y agregaron que los mismos fueron seleccionados entre un universo de textos que dan muestra de la calidad y garra que demuestra la actual producción narrativa venezolana.

Como premio para todas estas historias Sacven realizará una publicación con la compilación de las mismas.

Fuente: Sacven.

Para estas Navidades, regala: Lo que es la vida, AGUILAR

2011-12-22T06:45:00.000-08:00

Lo que es La vida, la verdadera historia de Felipe Pirela, El Bolerista de América, escrita por Luís Armando Ugueto. Por fin podemos contar con una biografía seria donde se relatan los sucesos artísticos y personales más polémicos del cantante icono del Bolero en Venezuela.

Editorial: AGUILAR. 2009. ¡A la venta para estas Navidades!

Música de la ciudad 6: Maria Conchita Alonso/Álbum Debut (1984)

2011-12-19T13:09:00.000-08:00

por: C. Luisa Ugueto

Herb Alpert toca el solo de trompeta que le da carácter a la canción más famosa de Maria Conchita Alonso, su primer y mayor éxito perteneciente a su álbum debut de 1984, cuyo titulo es su propio nombre. El músico estadounidense, quien ha acompañado a otros cantantes latinos en baladas populares, tal es el caso de Luis Miguel en “Hoy el aire huele a ti” de su disco 20 años (1990), participa en este álbum de una Maria Conchita Alonso joven y vibrante, iluminada por sus bríos al cantar, y su locura ya famosa: ese carácter que ocasionalmente opaca su reconocido talento.

Creo que sin la trompeta del famoso músico, esposo de Lani Hall, otra grande, Noche de copas no habría transitado el páramo de la popularidad de los 80, llegando a este tiempo sin envejecer del todo, al menos musicalmente. Aunque tal vez lo que ocurre, es que la trompeta imita la voz y el tono de la cantante, constituyéndose ambos en una combinación perfecta.

Este disco de Maria Conchita, cuenta con los temas que serían años después, claves en su carrera, sus básicos: Acaríciame, La Loca, Eres tan real y por supuesto Noche de copas. De igual modo, la cantante cubana venezolana interpreta: Amor de madrugada, Entre la espada y la pared, canciones todas compuestas por Juan Carlos Calderón, quien estuvo a cargo además de la producción del disco.

Maria Conchita venia de cantar en ingles y de ser “Ámbar”, cuando presentó este LP, el cual fue, finalmente culpable de su éxito internacional, sobre todo en países como México y España, a donde llegó también, gracias a la televisión.

Rescato de “Maria Conchita (1984)” el espíritu y la pasión de una cantante orgánica, que ademas de poseer una voz con méritos, podría decirse que es una excelente interprete, no sé, quizás no soy objetiva porque crecí diciéndole a todo el mundo que yo era como Maria Conchita Alonso, que quería ser así, pero me he dado cuenta que no puedo, soy una aburrida, no tengo tanta pasión ni tanto carácter, al menos no, para otra cosa que no sea escribir. Quizás le suceda lo mismo a ella, quien parece usar todo lo que tiene cuando canta.

Calificación: 10 / 10

C.Luisa Ugueto finalista del VIII Concurso Nacional de Cuentos Sacven 2011

2011-12-16T14:06:00.000-08:00

RESULTADOS DEL VIII CONCURSO NACIONAL DE CUENTOS SACVEN

La Sociedad de Autores y Compositores de Venezuela se complace en presentar al ganador y 9 finalistas de esta octava edición del Concurso Nacional de Cuentos Sacven.

Ganador

John Manuel Silva Villasmil
Cuento: Afrodita, C.A

Finalistas

1.Miguel Antonio Hidalgo Prince, cuento “Mi Padre el Veterano”

2.Mario Morenza, cuento “La verdad de las gacelas”

3.Martha Patricia Durán Rodríguez, cuento “Un nombre para mi salud”

4.Raymond Nedeljkovic Febles, cuento “Nadie nos preparó para esto”

5.Eduardo Febres , cuento “Final de Play”

6.Eloy Yagüe Jarque, cuento “Crisálida”

7. Carmen Luisa Ugueto Liendo, cuento “No le cuentes tus secretos a cualquiera”.

8.Philadelplhio Pastrán Giussepie, cuento "Lenon entre nosotros"

9.Carlos Colmenares Gil, cuento "Después del Incendio"

El último de los Mohicanos

2011-12-14T19:19:00.000-08:00

Por: Luis Ugueto para Perspectivas / La verdad del Zulia

Tenía más de quince minutos parado en la esquina del Centro Comercial Los Molinos en la Avenida San Martín de Caracas esperando a Rafa Galindo. Estaba impaciente, caminaba de un lado a otro de la calle. Cuando pensaba que ya no vendría, veo a lo lejos a un señor bajito, de lentes, con el paso apurado hacia donde me encontraba. Rafa saludaba con entusiasmo a las personas que pasaban a su lado, unos le pedían que les recomendara números de lotería y otros simplemente le daban la mano como queriendo atrapar un poco de la historia que representaba. Sus ojos eran una ventana al pasado y su voz el testimonio de una Venezuela que ya no existe, de la que quedan pocas huellas.

A sus ochenta y tantos años, Rafa Galindo hablaba con fluidez y exactitud de su carrera artística, no se le escapaba ningún detalle, solo era sensible a tocar el tema de su reclusión a comienzos de los sesenta en Bárbula, un hospital para enfermos mentales, donde paso algún tiempo producto de unas extrañas crisis nerviosas que lo retiraron temporalmente de la música. Ya en esa época Galindo era una leyenda, mas de dos décadas de trayectoria lo hacían uno de los cantantes de orquesta más experimentados del país. Con apenas 19 años de edad en 1940 debutó con La Billo´s Caracas Boys y comenzó a interpretar piezas que sin saberlo se convertirían en clásicos del bolero en Venezuela. Temas como Noche de Mar, Paraíso Soñado, El ruiseñor y Un sueño, son Standards, sucesos de la radio difusión nacional que actualmente se reeditan en Cd con muy buenas ventas.

En los años cuarenta el negocio del disco estaba en pañales y la radio y los bailes eran todo lo que tenía un cantante para ganar popularidad. Los Crooners como Rafa, debían amar de verdad la música para soportar una rutina de treinta o mas presentaciones mensuales, una realidad muy distinta a la de hoy en día cuando artistas como Luis Miguel solo trabajan en ciertas épocas del año y fabrican uno que otro escándalo para traer más gente a sus Shows.

Los cantantes de la época de Galindo no se desvelaban por un corte de cabello o por ropas de diseñador, les preocupaba cantar afinado, no descuadrarse y quedar bien ante el público y su director musical. La falta de herramientas técnicas de sonido los obligaba a ser más cautelosos y efectivos, por ello Rafa atendía a los consejos para el cuidado de la voz que le daban figuras consagradas como Pedro Vargas y Alfonzo Ortiz Tirado, quien una vez le recomendó no hacer el amor antes de una actuación, pues no llegaría nunca a las notas altas.

Rafa vivió los grandes cambios políticos y culturales del continente, conoció a Gardel al General Gómez, le canto a políticos y personalidades, a Fidel Castro y Marcos Pérez Jiménez, alternó con Lorenzo Herrera y Miguelito Valdés, vio la construcción del puente sobre el lago de Maracaibo, del teleférico de Caracas, de la autopista a La Guaira; era parte de la historia de este país, un pedazo de la ciudad. Al despedirnos luego de la entrevista, me dió un par de números de lotería, creo que no los jugué, pero conservo los datos, quizás lo haga mañana.

Lo que es la vida en Maracaibo (y 2)

2011-12-11T19:53:00.000-08:00

Fiesta con Billo en la UCV, teatro de alto nivel: música y alegría

2011-12-11T19:18:00.000-08:00

La alegría es elocuente, ser feliz se parece mucho más al éxito que cualquier otra cosa. El alborozo del público que asistió el día de hoy a ver el espectáculo "Fiesta con Billo en la UCV", habla por sí solo.

"Fiesta con Billo", musical que rinde homenaje a la venezolanidad a través del inconfundible ritmo que tiene al país bailando desde 1930, se presentó el día de hoy en el Aula Magna con la participación de Memo Morales, Judy Buendía, Selene Quiroga, Jesús Rafael Pérez, Daniel Jiménez, Pilar Seijo, Virginia Lancaster, María Isabel González De Pool, Rosalba León, Juan Manuel Blanco, Alberto Díaz, Gustavo Adolfo Ruíz en el papel de Billo y la Banda de Andy Durán, dejando boquiabiertos a su público más evidente: los seguidores de la Orquesta de Luis María Frómeta, pero también a la gente joven que desde el desconcierto del desconocimiento pudieron apreciar una obra teatral con alto nivel de producción, dirección y trabajo en equipo. Buenas actuaciones, un repertorio cuidado con gran nivel interpretativo, humor y variedad en escena son algunos de los elementos de esta obra que no olvidarás luego de finalizada.

Fiesta con Billo producido por Federico Pacanins, es una muy buena oferta para todos los que les gustan los musicales, un espacio para recordar y ver el futuro de una tradición que todavía no muere.

El 17 de Diciembre no pueden perdérselo en Corp Banca.

La música es el Dios personal de las almas inconformes

2011-12-08T06:24:00.000-08:00

por: C. Luisa Ugueto para Conarte

Amy Winehouse murió este año en circunstancias extrañas, es conocido por todos sus adicciones y conflictos personales. Felipe Pirela murió debido a circunstancias de su vida que lo llevaron a verse involucrado en hechos de conflicto. Jim Morrison murió en circunstancias peculiares, también al igual que Amy lleno su vida de excesos.

Todos tienen en común haber sido grandes artistas y haber muerto jóvenes, presos de sus demonios quizás: Amy y Jim a los 27, Felipe Pirela no superaba mi edad.

Todos tienen en común haber encontrado en la música un canal para darle motor a sus vidas, aunque en apariencia no haya sido el vehículo para salvarse.

Quizás el talento no tiene nada que ver con el deseo de vivir, quizás el arte es una necesidad inherente a quienes lo ejercen, no hay opciones, sé es artista porque si, no significa esto que ese arte “los salve”, “los ayude”, “los conecte”.

Sin embargo, sigo creyendo que el arte y la música son intentos de vinculación, proponen respuestas, entretienen, hacen pasar el tiempo, y te ayudan a drenar la inconformidad con el entorno que te rodea. ¿Te pasa que estas down y la música te activa? ¿Te pasa que no quieres pensar y la música te permite olvidarte de todo y de todos?

La necesidad de comunicación humana se llena mostrando, exponiendo, hablando, haciéndose escuchar o recibiendo retroalimentación de almas afines, pero muchas veces esa afinidad es una posibilidad lejana, casi nula. Conozco a mucha gente, en pocos me reconozco ¿Te pasa?

Quizás ese sea una circunstancia compartida por muchos, incluso por los artistas. No conectas obligatoriamente con quien te rodea, quizás no eres parecido ni a tu generación, tu familia, tu calle o tu barrio y el único modo de comunicarte es con la obra de otros que han escrito sobre, que han cantado sobre, que han pintado sobre, aunque no sean tus vecinos o estén ya muertos.

La música es el Dios personal de las almas inconformes, no es una frase hecha, la música se erige como motor de la vida cuando más desecha o absurda se te presenta, la inconformidad con tu destino, el desconocimiento alrededor de tu historia tiene un poco más de sentido si la acompañas con música. Siempre... si cantas no cantas solo.

Discos Imprescindibles (2)

2011-12-05T16:20:00.000-08:00

por: Luis Ugueto para Perspectivas

A continuación la segunda parte de nuestro conteo (particular) de algunas producciones que todo melómano debería tener en su colección de discos. Son cinco álbumes (incluyendo compilaciones) que tienen importancia histórica y estética, imprescindibles para conocer a profundidad la música hecha en este país.

• Gualberto Ibarreto (master compilación 2012) La distribuidora de discos CD DVD Music, logró poner de acuerdo a todas las firmas que tienen los derechos de las cintas de este extraordinario cantante nacional para ofrecer al público en un box de seis cd´s un recuento total y definitivo de su música.

• Suerte. (LP RCA) Es el primer larga duración que Marco Antonio Muñiz graba en Venezuela. Salió al mercado en enero de 1964 y se convirtió en uno de los discos más vendidos del primer semestre de ese año para la firma RCA Víctor. Fue un ardid discográfico muy inteligente que Marco Antonio, quién tenia a Caracas como una de sus más importantes plazas artísticas, realizará una producción con nuestra música folklórica. Lo acompañan Oswaldo Oropeza, Chelique Saravia y Aníbal Abreu.

• Mirtha Solita… (LP Velvet) Luego de su separación de Los Naipes, en 1966 Mirtha Pérez graba su álbum debút como solista. Con el primer sencillo de esta producción, la balada “Maldita seas”, barrió los comentarios de la critica de farándula que dudaban si lograría tener el mismo éxito de su primera etapa con el conjunto de su esposo Gonzalo Peña.

• Entrégate. (LP Velvet) Pecos Kanvas. El tema que le da titulo a esta producción fue la canción de la telenovela “Emilia” una historia de Delia Fiallo y Ana Mercedes Escamez, transmitida por Venevisión a partir de noviembre de 1979 con las actuaciones de Elluz Peraza y Eduardo Serrano. El éxito del dramático impulsó la venta del disco y afianzó un poco más a Pecos, sin lugar a dudas uno de los más importantes baladistas venezolanos de todos los tiempos. Los arreglos estuvieron a cargo de Isaías Urbina y la producción de Víctor Mendoza, responsable de muchos aciertos disqueros de este cantante.

• Únicamente tu. (LP Velvet) Felipe Pirela. Este es uno de los LP´s más vendidos en la historia del disco en Venezuela. Aun hoy es una proeza que un artista logre despachar 400 mil copias de una sola producción. Se realizó en 1964 en estudios de Bogota y Caracas, con las orquestas de Porfi Jiménez y Guillermo González.

Discos Imprescindibles

2011-12-02T10:44:00.000-08:00

Por: Luis Ugueto para Perspectivas

En las últimas columnas hemos hablado de discos que calificamos como imprescindibles e históricos. Hoy vamos por la misma línea a realizar un conteo de 5 producciones (incluyendo compilaciones) que todo melómano debería tener en su colección personal:

· Mi canción (LP ) Alfredo Sadel. Grabado en New York en 1955 con la conducción del famoso Terig Tucci. Este fue el primer disco de 12 pulgadas realizado para RCA Víctor por un latinoamericano.

· Aldemaro Romero (compilación) Box de seis discos con sus carátulas y textos originales. Contiene los discos de música venezolana sinfónica mas importantes grabados por Aldemaro Romero en los años cincuenta. La editora es “Gilmar”, propietaria de buena parte de las matrices originales de “Cymbal” la compañía de discográfica de Aldemaro y Antonio Cortez.

· Las cosas que me alejan de ti (sencillo 45 rpm) Héctor Cabrera. Grabado por el sello Music Hall en Argentina en 1970. Tema compuesto por Gian Franco Pagliaro, ganador del “IV festival de la canción de buenos aires”. En el respaldo contiene la canción merecedora del tercer lugar “Te llevare a ese lugar” (Beto Fernan). Representa el triunfo de Cabrera como cantante de festivales. Este espectáculo fue visto en Venezuela por primera vez “en directo” vía satélite.

· Por fin Los Cuatro (LP) Disco de producción independiente grabado entre 1960 y 1962. Es el tercer disco que editaba la productora de Freddy León. Solo salieron 500 ejemplares. Los cuatro fueron un conjunto de polifonía vocal extraordinario, tal vez demasiado progresivo para el mercado venezolano.

· Ellas (LP) Eduardo Cabrera/Kiko Mendive. Son tres long playin publicados por “El circulo musical “circa 1965”. Puestos en orden forman en su contraportada la figura de una mujer. Es un álbum temático donde todos los números tienen nombres femeninos. Entre todos los conjuntos incluidos en la compilación, destaca el del magnifico pianista y arreglista Eduardo Cabrera, teniendo como cantante a Kiko Mendive (no menos excepcional, por supuesto). Es la mejor muestra de “cool latín jazz” realizada en Venezuela, tal vez hasta los momentos.

Música de la ciudad 5: The Venezuelan Zinga Son, Vol.1 (2003)

2011-12-01T17:07:00.000-08:00

por: C.Luisa Ugueto

A veces por seguir a alguien haces cosas locas, cosas no tan agradables, como viajar con una cuerda de extraños, no amistosos, si no más bien caprichosos. Siempre me pasó que la música me aísla, ya lo he escrito un millón de veces: yo vivo con soundtrack, de “este mundo prostituto y vano solo quise (y quiero)” no un cigarro, más bien un ipod entre mi mano, versionando a Rubén Fonseca.

The Venezuelan Zinga Son, es el propio disco para evadirse y para bailar, lo cual no significa que sea estrictamente un disco solo para eso, ya se sabe que una de las funciones del arte es que te abstrae de tu realidad o la hace mejor, más bonita o deslumbrante. Este disco de Los Amigos Invisibles, que escuché por primera vez un diciembre, en una carretera, huyendo, también divertida, o quizás solidaria, pero sobre todo con ganas de escapar, es uno de los discos más perfectos de Los Amigos, en mi opinión, porque se apoya mucho más en la música, el viaje esta menos acompañado de palabras y quizás por ello se hace mucho más ligero.

Cuando pienso en The Venezuelan Zinga Son, pienso en viajar, quizás porque cuando lo descubrí estaba en esas, perdida en una carretera, quizás porque el disco si lo escuchas desde el primer track hasta el último, te das cuenta que te marca un camino variado como el de la vía cuando emprendes un viaje largo. Es fluctuante, sinuoso, tiene picos y laderas pronunciadas (Una Disco Llena, Venezuelan Zinga Son, Esto Es Lo Que Hay, Diablo, Calne, Bruja) interrumpidos por caminos llanos y algo más tranquilos (Comodón jonson, Majunche, Playa Azul, Ease Your Mind, Diablo, Gerundio) una ruta que en su totalidad te lleva de ritmos intensos a composiciones lentas para tripear el paisaje.

La nota de la música de los Amigos es que recrea una iconografía nacional, a través de un sonido global: disco, funk, pop, acid jazz. La vaina son las letras ingeniosas y la música, un imaginario que ha construido la historia de una banda que ya tiene 20 años en la vía.

Calificación: 10/10

Mi favorita: "Hechicera aunque mal pagues…”

52 años del álbum Canta Arpa

2011-11-24T16:32:00.000-08:00

Por: Luis Ugueto para Perspectivas / La verdad del Zulia

Este mes de octubre se cumplen 52 años de la publicación del LP “Canta Arpa” donde Alfredo Sadel graba por primera vez de forma integra música venezolana. El disco se realizó en Cuba el año 1959 con el acompañamiento del conjunto “Los Araucanos” de Ernesto Torrealba, para el sello Venevox que contaba con la dirección artística de Billo Frómeta, que en ese momento se encontraba imposibilitado de realizar cualquier tipo de actividad artística en Venezuela, producto del veto de la “Asociación Musical”.

Sadel habia llegado a la Habana a mediados de junio procedente de Estados Unidos. La compañía cinematográfica MGM le habia concedido un permiso especial para hacer una pequeña temporada, que sin saberlo se tornaria conflictiva, pues tuvo problemas con la inmigración. Alfredo había reaparecido con el éxito de visitas pasadas, incluso la prensa especializada en farándula reseñó que estuvo muy por encima de “El ángel de España” Pedrito Rico, quien al parecer contrató —por dólar y medio— a un grupo de muchachas para que fingieran desmayos e histeria al termino de sus presentaciones en teatros y clubes.

Pero el 20 de junio el subdirector de inmigración, Carlos Barrera, lo hizo detener por incumplir leyes que establecen que un artista extranjero no puede actuar en territorio cubano sin visa de trabajo. Alfredo se defendió alegando tener sus papeles al día y que todo se debió a un impase entre CMQ e inmigración, por lo cual permaneció detenido en el campamento de “Tiscornia” hasta el sábado 27 de junio. Una situación similar le ocurrió a Adilia Castillo, quien también se encontraba actuando en Cuba. Los periodistas se solidarizaron con los venezolanos y para la primera quincena de agosto Alfredo volvió al ruedo, contratado para actuar en los programas, “Casino” y “Jueves de Partagas” de la CMQ y en él, tan nombrado, “Club Capri”. Además, hizo una presentación especial en el Festival “Pro Reforma Agraria”, en los jardines del Capitolio Habanero.

“Canta Arpa”, el tema que le da titulo al long playing es una composición del propio Alfredo y aunque ningun cronista se atrevió a realizar un comentario sobre su contenido – por desinterés o censura – en su letra se expresa con mucha claridad una visión politica altamente nacionalista y latinoamericana. La prensa más bien elogió su versión de “Ansiedad” que compitió en los primeros puestos de las carteleras radiales con la de Lucho Gatica y clásicos como “El Cumaco”, que estaba en la palestra pues algunos meses atrás la viuda del autor, Consuelo Martínez de Pacheco, había sido por fin justamente retribuida con el pago de sus regalías por parte de la RCA Víctor. La RCA, el 12 de marzo de 1959 le hizo entrega de un cheque por la cantidad de 748,95. Bolívares, gracias a la mediación de la AVAC (Sociedad Venezolana de Autores y Compositores).

Con este disco Alfredo Sadel cerraba una época gloriosa en su vida y en la música popular de toda América. Su tan discutida decisión de cantar ópera estaba a la vuelta de la esquina.

Ondas del Lago

2011-11-17T04:01:00.000-08:00

por: Luis A. Ugueto para Perspectivas / La verdad del Zulia

He tenido la tentación al caminar por el centro de Maracaibo y pasar frente al Hotel Victoria, de preguntar dónde está la calle Comercio, el lugar que una vez albergo la señal de Ondas del Lago, una de las más prestigiosas estaciones de radio del país. En la década del cincuenta, Maracaibo competía con Caracas en la contratación de artistas y espectáculos internacionales y era a la sazón, Ondas del Lago la empresa de Nicolás Vale Quintero, quien no escatimaba en gastos para ofrecerle a toda la ciudad la oportunidad de escuchar a los cantantes y orquestas de moda. La prensa reseño en 1956, como un gran logro de los empresarios de la radio el haber conseguido la exclusiva radiofónica de las actuaciones de Lucho Gatica, cuya llegada a Venezuela fue uno de los mayores acontecimientos artísticos de la década. Apenas el chileno tocó suelo venezolano, tan solo una llamada del Zulia a la oficina de su contratante, Bartolo Bendayan Ángel Pintado, concretó una semana de actuaciones – según especularon los diarios - por 5.000 mil dólares, una cifra pocas veces pagada en esa época.

En sus programas especiales: Revista Fabulosa del Mediodía (12:35 pm) Cita con las Estrellas (7:35 pm) y La Hora Estelar (8:00pm) los zulianos que asistían a su pequeño radio teatro, disfrutaron – entre muchas otras atracciones – de La Billos Caracas Boys, Raúl Naranjo, Lorenzo Herrera, Los Peniques, Alfredo Sadel, Los Cuates Castilla, María Luisa Landin, Leo Marini, Luciano Tajoli, Los Hermanos Rigual y Daniel Riolobos, un argentino que aunque nunca llego a ser tan popular como Gatica o Alfredo Sadel, hoy es un cantante de culto para los amantes del bolero. En el momento de su visita, noviembre de 1957, Ondas del Lago lo anunciaba con bombos y platillos porque se decía había reunido en sus Shows en el Coney Island de Caracas a 25.000 personas.

Un mes antes, el 1 de octubre a las 6 de la tarde, en el vigésimo primer aniversario de la radio, Vale Quintero inauguró la antena de 15 metros de altura, montada sobre una torre de 75, que le daría una potencia de 35.000 kilovatios a la señal de Ondas del Lago TV canal 13, cuya sede quedaba frente a la calle Polita de Lima y la Andrés Bello. El periodo de prueba duró poco más de cuatro meses, al término de los cuales la planta comenzó a transmitir una programación variada, donde la música ocupaba un lugar de suma importancia. Igual que Radio Caracas Televisión o Televisa, que contaban con un gran orquesta como grupo de planta, el Canal 13 se armó con la prestigiosa banda de Juanito Arteta para acompañar a sus artistas invitados. Pero el proyecto tuvo una vida muy efímera, a comienzos de los sesenta, Arteta demando a la televisora por una situación relacionada al pago de sus honorarios y pocos años después la planta atravesó serios problemas económicos y cerró. Es una lástima que no queden registros de esos programas, tal vez un día aparezca algo en youtube.

Luis Ugueto sobre el Bolero: "Las canciones son arrechísimas, son buenas por la esencia artística"

2011-11-12T19:01:00.000-08:00

"El bolero es bonito, tiene toda la cursilería, tiene el romance. Pero la verdad es que estéticamente las canciones son arrechísimas, son buenas por la esencia artística, eso es lo que realmente hay que tratar de rescatar de todo esto. Lo mismo ocurre con la salsa: que si uno es así, que si es música para bailarla bien sabroso. Uno trata de asociar todo a la raza, al hecho político o… a eso a la raza… si este es negro entonces toca conga. Pero hay que ver la parte artística. Esto no debería ser así, porque se le está haciendo un flaco favor a la música. Felipe no era un cantante y ya. Felipe era un gran cantante, que sabía perfectamente lo que estaba haciendo, tan importante como cualquier cantante en el mundo y que sabía su trabajo. Como Héctor Cabrera o como Alfredo Sadel, que eran grandes artistas y sabían su trabajo; y en ese sentido hay que verlos: como artistas, no como gente vieja o cursilerías de otro tiempo. A nosotros nos da pena reconocernos en esas vainas, en gente como Felipe Pirela o como Héctor Cabrera."

De una Entrevista a Luis Ugueto.

En Radio: En la Última media hora de Vereda Tropical: acércate a Billo´s Caracas Boys, todos los domingos

2011-11-12T18:57:00.000-08:00

Woody Allen lo dice en Match Point (2005): todo depende de la suerte, nadie sabe donde va a transcurrir su vida, el azar termina haciendo de las suyas. Eso quizás también lo diría, Luis María Frómeta, mejor conocido como Billo Frómeta, el creador de “La número uno de Venezuela”, o "La más Popular de Venezuela", la Orquesta Billo's Caracas Boys, quien de su país de origen, República Dominicana llegó al nuestro para ser parte de la historia de la música bailable.

Su Orquesta y su historia, también tiene su lugar en el último segmento del programa conducido por Jesús Rafael Pérez, todos los domingos a las 9:00 am, en Radio Uno 1340 AM: "Vereda Tropical".

No te pierdas las mejores canciones y anécdotas sobre “La número uno de Venezuela”, en este espacio del músico, locutor, e investigador, quien estuvo a cargo por ocho años de Guarachando, programa de radio referencia en cuanto al estudio y divulgación de la historia de la Orquesta Billo´s Caracas Boys.

De igual modo, no olvides visitar, Crónicas en Vinyl, canal de You Tube dedicado solo a cantantes venezolanos y a cantantes extranjeros de visita en Venezuela. Ni de recordar anécdotas, personajes y entrevistas en: El Sabor y El Saber de Henrique Bolívar Navas transmitido por RNV, los domingos a las 7:00 pm.

Vereda Tropical lo pueden escuchar haciendo click aquí.

Tite Curet Alonso con Enrique Bolívar Navas: "La gente sui géneris no hay duda de que son los grandes, porque son gente que no imita a nadie"

2011-11-10T13:57:00.000-08:00

http://www.radioelsalsero.com/

Por: C.Luisa Ugueto

Muchos escritores no escriben libros, los cantan o dejan a otros hacerlo por ellos, tal es el caso de Rubén Blades, y Tite Curet Alonso, este último le concedió una entrevista a Enrique Bolívar Navas, en agosto de 1993. El compositor originario de Santurce Puerto Rico, hablaba sin pausas, intercambiando chistes con el conductor venezolano, anécdotas y pareceres sobre su música, su forma de escribir y su vida.

En una entrevista para nada planeada, se encontraron Bolívar y Curet, pues el compositor había llegado a los predios de la emisora a comprar un par de zapatos, pero terminó conversando al aire con Bolívar Navas, deferencias como esta muestran porque, Enrique Bolívar Navas fue un gran hombre de radio.

Crónicas Latinas

Tite Curet, quien estudió periodismo afirmó que algunos de sus temas son crónicas: “Lo que pasa es que cuando yo estudie periodismo, aprendí a escribir sin adjetivos. La crónica es un adorno, de un hecho, de una persona, un punto de vista” sin duda es lo que hace el compositor, quien ha sido catalogado como uno de los escritores de canciones más prolíficos de su país.

Curet, quien manifestó en todo momento su agrado de participar en esa entrevista improvisada, comentó entre otras cosas, sobre su amistad con Quique Lucca, el creador de La sonora Ponceña, y su hijo, Papo Lucca, a quien conoció a los 11 años: “Lo conocí tocando en un mano a mano con Dámaso Pérez Prado, de allí en adelante esa amistad siguió, a veces no nos encontramos, pero es mi amigo, yo he estado en su casa y hemos departido mucho” dijo.

“Yo también fui sonero”

Curet entre risas, confiesa que llegó a grabar un disco, sin que esto representara ningún éxito: “Yo también era sonero, lo que pasa es que no tuve suerte, grabé un disco, y fabricaron mil y nadie los compro. Fui a buscar un disco mio “¿Tienen el disco de Curet Alonso…?", pregunté y el señor de la tienda se me quedó viendo. Regalándolo era caro!”, comenta entre risas.

Lavoe

“Héctor (Lavoe) salió como un sonero sui géneris, la gente sui géneris no hay duda de que son los grandes, porque son gente que no imita a nadie. El estilo de Héctor era un estilo campechano entre vulgar y clásico”

Fragmento de Entrevista de Enrique Bolívar Navas, 1993. Presentada en el Programa “El sabor y el Saber” conducido por Jesús Rafael Pérez, para RNV / Domingos: 7:00 pm / 2010 -2011

18 horas de viaje con Rafael Montaño

2011-11-10T09:29:00.000-08:00

por: Luis Armando Ugueto

Hace pocas semanas la compañía nacional de música organizó un festival criollo en el TTC, para dar continuidad a su ciclo de conciertos temáticos. Ya le había tocado al Bolero, a la Salsa y era el turno de la música nacional. He tenido la suerte de participar como ponente en dos temporadas y además representar las contrataciones de Miguelito Itriago y Raúl Naranjo. Después, los productores de estos eventos me han asignado diferentes tareas, la más reciente, fue asegurar el traslado de Rafael Montaño a Caracas desde Macarapana en el estado Sucre. Llegue a Carúpano el viernes 2 de septiembre muy tarde en la noche, llamé por teléfono a Montaño y estuvimos de acuerdo en que lo pasara buscando a las seis de la mañana del día siguiente.

A la hora convenida me esperaba en la puerta de su casa, vestido con guayabera y zapatos tenis. Es una de esas personas que ya de primera vista cae muy bien, a sus 85 años se conserva estupendamente y su memoria es lucida y ágil. Me había propuesto entrevistarle en las horas que durara el viaje y asegurar otro articulo para mi nuevo libro, pero el ajetreo de la carretera no era el marco propicio para una interviú como la que tenia en mente, espero que haya otra oportunidad. Sin embargo pude conocer detalles muy interesantes de su trayectoria.

Me contó que antes de ser cantante había sido locutor y que desarrollo tímidamente su carrera artística hasta mediados de los años cincuenta cuando trabajaba en el noticiero de Radio Continente. Cuenta que por esa época el conjunto con el cual cantaba no tenía un lugar para ensayar y se las ingenió para llevarlos a uno de los estudios desocupados de la estación. Mientras cantaba, sin darse cuenta el famoso técnico de sonido “tuqueque” Requena encendió el control de la sala y lo escucho con sorpresa, pues no conocía esta faceta de Rafael. De inmediato fue a buscar al director de la radio Juan Francisco Rodríguez, para que el también lo oyera y volvió a darle volumen a la consola.

Rodríguez tampoco lo había escuchado cantar, pero le gustó tanto, que al instante mando a llamar al encargado de la programación y le ordenó que lo ubicara en cualquier espacio para probar como le iba con el público. El éxito de Montaño fue tal, que a las pocas semanas de comenzar ya estaba en los programas estelares, paso a la televisión y Juan Vicente Torrealba, la figura más prominente de la música criolla se interesó en incluirlo en los Torrealberos.

Una de las anécdotas mas curiosas que me relató Montaño, es como fue vetado y su nombre apareció en una lista negra de artistas, por negarse a hacer campaña política para Rómulo Betancourt. Fueron momentos difíciles que casi lo alejan del negocio del espectáculo y lo obligaron a buscar trabajo en otras áreas para mantener a su familia. Pero esa es otra historia, ya habrá tiempo de contarla…

Felipe Pirela Vive!

2011-11-08T20:59:00.000-08:00

Angela Barra / Canta, canta mais

En Radio: Vereda Tropical, una ventana a la historia de la música popular

2011-11-06T06:34:00.000-08:00

Dimanche, Sunday, domingo, es el día de descanso en la semana, ese día siempre hay que hacer algo especial, que mejor que escuchar la radio. Así que, todos los domingos a las nueve de la mañana sintonicen Radio Uno 1340 AM, para escuchar “Vereda Tropical”, el espacio conducido por Jesús Rafael Pérez, y coproducido por Héctor Acosta.

Entérate de que canción de Oswaldo Morales estuvo prohibida, incidencias, anécdotas y mucha información sobre música popular, además de escucharla: boleros, y temas bailables, salsa, se vale hacer peticiones! Información y música que tiene su par audiovisual en el canal de You Tube: Crónicas en Vinyl, dedicado solo a cantantes venezolanos y a cantantes extranjeros de visita en Venezuela.

Jesús Pérez, músico, locutor, e investigador, estuvo a cargo de la conducción y producción por ocho años del espacio Guarachando, una referencia en cuanto al estudio y divulgación de la historia de la Orquesta Billo´s Caracas Boys, además de conducir y producir: El Sabor y El Saber de Henrique Bolívar Navas transmitido por RNV, también los domingos, pero a las 7:00 pm.

Vereda Tropical lo pueden escuchar haciendo click aquí.

Alí Primera con Enrique Bolívar Navas: “La poesía es un vehículo para que la tristeza se vaya desdibujando”

2011-11-01T17:09:00.000-07:00

por: C.Luisa Ugueto

En 1980 Enrique Bolívar Navas realizó una entrevista a Alí Primera en Radio Tiempo, con motivo del homenaje que realizó el cantautor, con su tema “Tín Marín”, escrito para el Grupo Madera, cuyo accidente había ocurrido el 15 de Agosto de ese mismo año. Como ayer fue el natalicio del cantante venezolano, volvamos el tiempo atrás, para recordar algunas de las palabras de este compositor que reivindica las ilusiones y la belleza de esa cosa rara que pocos tienen… eso que a muchos nos gusta y que nos hace recibir el mote de tontos, idiotas, sensibleros e ilusos: fe, creencias, pasión, convicción.

Alí Primera es el testimonio de un compromiso con el arte, con la poesía, una historia bonita que siempre hay que volver a contar.

Grupo Madera

La conversación entre Bolívar Navas y el cantautor oriundo del Estado Falcón, no necesitó de mucho para lograr ese tono de complicidad, que todavía pueden trasmitirse en los audios. Como una conversación familiar la cataloga el conductor, quien comienza preguntándole al cantante, sobre su posición entorno al desaparecido grupo del barrio Marín: “La poesía es por esencia enemiga de la muerte, los poetas no son cómplices de la muerte, la poesía también es un vehículo para que la tristeza se vaya desdibujando y se vaya perdiendo en el camino” dice Alí Primera sobre su composición homenaje a los músicos del Madera.

“Yo escribí una canción una vez para los compañeros chilenos y para todos los compañeros del mundo, que dice que los que mueren por la vida no pueden llamarse muertos, en esta canción no agredo, en esta canción entrego. Entrego la posibilidad y el llamado a seguir por el camino de Madera y que el barrio Marín sea un ejemplo para todos los barrios de Venezuela y todos los barrios Latinoamericanos, porque fue un barrio que demostró que de su vientre, de su seno pueden salir grupos culturales ganados por la esperanza y no por la revancha” afirmó con énfasis.

Porque no me encuentro bien

El escritor español Juan José Millás, respondió en una ocasión, a la pregunta de por qué escribía lo siguiente: “Escribo por las mismas razones que leo, porque no me encuentro bien”, igual que otros autores, Millas parece coincidir con que un escritor es un inconforme con la realidad que le ha tocado y contarla o hablar de ella es su defensa. Quizás es lo que le ocurría a Alí Primera, quería mejorar su entorno a través de la música, a través de la canción. Así lo refirió en algunas frases sobre su obra, en aquella entrevista con Bolívar Navas:

“El efecto transformador de la canción debe ser el efecto que esta vinculado a un trabajo, a una militancia, cuando no dependemos exclusivamente de los medios de comunicación, debemos buscar hacer canciones que a veces, aunque no sean radiodifundidas tengan la posibilidad de llegar a las masas”

“Lo principal no es la búsqueda del premio ni la búsqueda del aplauso, nosotros creemos que cantarle a quince mil personas que lo hemos hecho, nos reta y nos compromete a cantarle a dos personas también”

“Antes del triunfo debe estar la conciencia porque uno debe ser capaz de asimilar la derrota y el triunfo, que no te envanezca el triunfo, pero tampoco te deprima la derrota…que más bien te motive"

“Yo soy un militante político, todos me conocen, soy un marxista leninista, soy un comunista, lo conocen, pero yo no he planteado la música, ni la poesía, ni cualquier tipo de expresión cultural vinculada al carnet político, al carnet partidista, así como la amistad no se le puede pedir un carnet, nosotros sabemos que el patrimonio de la patria venezolana son sus hombres”

Fragmento de Entrevista de Enrique Bolívar Navas, 1980. Presentada en el Programa “El sabor y el Saber” conducido por Jesús Rafael Pérez, para RNV / Domingos: 7:00 pm / 2010 -2011

Raúl Naranjo: El pirata de la canción

2011-11-01T16:42:00.000-07:00

por: Luis Ugueto

Raúl Naranjo estaba nervioso. No cantaba en Maracaibo desde hacia más de 30 años, casi el mismo tiempo que tenía retirado de la música. Deambulaba por los pasillos de “La Estancia” y hablaba con todo el mundo esperando la hora de su presentación, que la lluvia amenazaba con arruinar. Eran las seis de la tarde del 2 de julio del 2010, Raúl, había llegado a la ciudad junto con el Trío Venezuela y Miguel Itriago para ofrecer un homenaje a un viejo amigo, Felipe Pirela. A decir de Naranjo, quien es sincero - al extremo de herir susceptibilidades – cuando habla de voces y cantantes, Pirela “es el ícono del canto popular de este país”. Los unió el compañerismo y una mutua admiración, sin embargo Raúl ya era profesional y visitaba la ciudad contratado por Ondas del Lago y Ecos del Zulia, cuando Pirela todavía usaba pantalones cortos.

A sus 77 años, Raúl se siente con más ganas que nunca de cantar. A pesar del tiempo que tenía inactivo nunca dejo de componer. Para él la música representa más que hacer shows, es un estilo de vida. Sentado en un café o mirando la televisión, vienen a su mente melodías a las que, en algún momento, les pondrá letra y las archivará en el baúl de su memoria o con algo de suerte irán a parar a un casette.Muchas de sus mejores canciones han sido inspiradas en sus romances con actrices, modelos y cantantes con las que alguna vez trabajo en cabarets o televisión.

Sus inicios se remontan a finales de la década del cuarenta, “era una época muy diferente a la hoy en día – afirma Naranjo – no todo el mundo cantaba, el ambiente era muy estricto. Cuando debuté en la Feria exposición de Venezuela en 1950, me probaron en la mañana y me dijeron que si se me iban los gallos no cantaba más. En el público estaba Marco Tulio Maristany. Mario Suárez me dijo que si a Maristany no le gustaba mi voz mejor que me fuera para mi casa”.

Raúl recuerda el pasado como quien mira una fotografía. Si fuera español, de seguro se lo disputarían “los programas del corazón” donde sus historias serian escuchadas con la boca abierta por sus contemporáneos y el público joven.

Naranjo habla con recurrencia de su amistad con Héctor Cabrera y del robo del cual según fue víctima por parte del jurado del Festival del Niño en 1967, donde casi triunfa con la balada Elevación, “todos me daban como ganador, recuerdo que se me acerco José Luis Rodríguez y me dijo, ´si no ganas hoy, no ganas más nunca´. Pero el jurado me quito el premio. Emilio Muñoz, mi arreglista escucho clarito cuando los jueces discutían sobre que iban a hacer conmigo: ´ganó el tuerto, ¿qué vamos a hacer?´ Bájalo dijo Chelique Sarabia”. Cuenta Raúl, ya sin la molestia de aquellos años.

Es la hora de la presentación, el tiempo fue benévolo y no llovió. La estancia esta llena a su máxima capacidad y Raúl es anunciado. Todavía nervioso sube a la tarima desde un costado, tiene la adrenalina a millón, pero nadie lo notará, este es su negocio y lo conoce a la perfección. Como un ardit para conectarse con el público, hace chistes sobre su edad, recuerda a sus panas Beto Parra, Armando Baralt y por supuesto a Pirela. La gente ríe, lo aplaude y luego caen a sus pies cuando interpreta “Amarraditos” y “El ultimo café”. Solo el tiempo dirá el valor que tiene su voz para la cultura popular venezolana.

Música de la ciudad (4): Frank Quintero

2011-10-30T12:47:00.000-07:00

por: C.Luisa Ugueto

Hay una frase famosa de Frank Zappa: “Escribir sobre música es como bailar arquitectura”, pero ni modo, espero no arar en el mar, porque si tengo que hablar de algo, la música es uno de mis temas favoritos.

Una vez vi a Frank Quintero, claro que el no se acordará, pero yo si.

Yo acababa de cumplir 18 ¿o eran 19?, solo sé que estaba promocionando su disco “Bien” y había ido a una emisora del Estado Vargas (Playa 107 FM), mi hermano que para ese entonces era el operador de la estación me dió el dato: “Frank Quintero va a venir”, así que me puse en movimiento.

Cuando llegué al Caribe, que de mi casa para ese entonces era más o menos media hora, ya se había ido de la emisora, se había acabado la entrevista y el programa donde participaba. Sin embargo, tuve suerte, pues su chofer (o la persona que venia con el) vio mi cara de desilusión y me sugirió que lo buscara en la panadería cercana.

Recuerdo todo, la brisa de medio día, el sol colándose entre las hojas de los arboles que poblaban toda la avenida, bordeando la calle, el establecimiento de la panadería casi vacío y el locutor de la radio, tomando café en una esquina con Frank Quintero.

Y ahí estaba yo con cara de idiota mirándolo fijamente y acercándome para decir algo tan tonto como: “Hola”, con esa voz infantil que hago cuando no me salen las palabras. Recuerdo que el me preguntó: ¿Y tú que edad tienes?, (siempre me he visto menor de lo que soy gracias a dios y en ese entonces mucho más) y yo “Bueno 18”… “Ah… ¿y te gusta mi música entonces?”, y yo… “Si… seguro…tengo todos sus discos y…” bla, bla, bla, todas esas tonterías estilo fan enamorada que uno dice frente al artista que te gusta.

Otro día lo vi en un concierto, en el Aula Magna de la UCV y al lado mío una muchachita como de 15 (que había ido con su papá) gritaba como si estuviese viendo a Servando o Florentino o something like that… ese fue un buen concierto: recuerdo que habló sobre una de las películas de Barbra Streisand que más me gustan: “The mirror has two faces” e invitó a cantar a Luz Marina como un plus inesperado.

Algo más que canciones

Hablar de la música de Frank Quintero es difícil, porque me gusta todo lo que ha hecho, no puedo elegir, me gusta todo lo que hizo en su etapa con Los Balzehaguaos y todo lo que ha seguido haciendo como solista.

Su último disco de recopilación, Horas de vuelo (2009), recoge sus primeros discos: Después de la Tormenta (1976), Travesía (1977), Hechizo (1978), De Noche y Con Poca Luz (1980), A través de mis ojos (1980), Pájaros y Estrellas (1981), que están llenos de música que no me atrevo a describir con palabras.

A veces siento que Frank Quintero, no es “tan famoso” como debería, y que muchas de sus canciones (las mejores) no son tan conocidas. Su obra esta llena de sonidos, sabores, colores tan variados, escuchar sus discos es como ver un arcoíris y ¿cómo se describe un arcoíris? Eso si que esta jodido, le doy la razón a Zappa, la música es difícil definirla con palabras.

La variedad de los temas de sus composiciones, traducen una visión del mundo urbana, donde no solo habla de amor… Hay una canción de Frank Quintero que soy yo (o lo fui años), la usaba como un mantra o una definición de mi misma, debe ser de eso de lo que se trata la música, de apropiárnosla.

En una entrevista del 2009, el cantante venezolano dijo: "Si acostumbras al público a que guste de tu estilo, te puedes mantener durante años. Te conviertes en una marca. Hay canciones que se han hecho clásicos dentro de la discografía, que pasan los años y siguen gustando a las generaciones que van llegando", creo que en su caso es lo que sucede, ya es un clásico.

Música de la ciudad (3) Ilan Chester

2011-10-24T19:48:00.000-07:00

por: C.Luisa Ugueto

Me imagino que este autobús tiene que arrancar en cualquier momento, no puede ser que pase toda la mañana estancada en esta cola inútil como en el cuento de Julio Cortázar. No, esta no es “La autopista del sur” no creo que vaya a quedarme a vivir aquí para siempre, eso espero. Recuerdo que unos años atrás en una cola parecida a ésta, escuché un disco que después me costo la vida encontrar, un LP que descansaba en la repisa de mi antigua casa de la infancia, antes del divorcio y antes de que mi papá se llevara todo incluyendo los discos (lo que más me dolió), un disco de 1990, esa época en que tenia diez años y no pasaba apuros en colas insoportables.

Opus # 10 de Ilan Chester, vino a ser para mi como una obsesión durante al menos doce años, casi que soñaba con “Roca de sal” por ejemplo o “No es corazón”, porque para mi es uno de los discos (contiene canciones como Palabras del alma, Un querer como el tuyo, Sabe a calidad, Taxi) que más representa la música del cantante nacido en Israel, pero más caraqueño que cualquiera. El cantante creador de ese sonido urbano que recrea a su ciudad de crianza, y que formó en sus inicios el fantástico grupo Melao.

El periplo para reencontrarme con Opus fue jodido, traté de comprarlo por primera vez a los 15 cuando no tenía dinero ni tarjetas de crédito, siendo una mocosa mantenida de mis padres me costaba reunir plata. A los 16 lo vi en una discotienda en Vargas (donde vivía) y tuve que dejarlo por falta de dinero again, dejé de escuchar este disco años, pero nunca olvidé sus melodías: quizás ese es el poder de la buena música se impone en el tiempo, permanece.

Ilan Chester (no necesito decirles yo quien es ¿verdad?) es muchas cosas para este país, ha interpretado un sinfín de ritmos y canciones, ha compuesto demasiado y se ha dejado ver en diversas facetas como artista, a estas alturas del partido tiene la categoría de “clásico”, una cosa muy rara que hay que saber apreciar, en este territorio de olvidadizos y desmemoriados.

Tengo una imagen de Ilan que acompaña mi imaginario de este disco, en esa película que hizo junto a Elba Escobar, donde hace un personaje pequeño: De cómo Anita Camacho quiso levantarse a Marino Méndez (1986) de Alfredo Anzola. El cantante sale montando moto y sonriendo, curiosamente en dicho film también aparece Guillermo Carrasco.

“Así como tu escuchas la música de la radio del vecino, yo escuchaba la música dentro de mi mente, pero la música que yo creaba. Hasta que había la necesidad de pasar esa música que estaba adentro hacia afuera y el piano fue la vía” dijo Ilan a Leonardo Padrón en su libro de entrevistas Los imposibles 3. Parece que es así, un artista se sabe artista porque siente la necesidad de poner afuera todo lo que ve –y siente- inside.

De su arte, presente en Opus # 10, lo que más me gusta son las letras de las canciones y la forma de cantar del autor de “Una en un millón”, ese aire urbano de sus composiciones. Lo que más me gusta es mi canción favorita que vuelvo a escuchar, mientras se bambolea este autobús que parece avanzar en la cola, ya no estancada e inmóvil, una canción que tarde en oír muchos, pero muchos años, pero que me gusta tararear tanto como el primer día. No les voy a decir cual es, se los dejo de tarea.

Italo Pizzolante, Felipe Pirela y Puerto Cabello

2011-10-24T19:42:00.000-07:00

por: Luis Ugueto

Italo Pizzolante es el responsable del primer acercamiento al éxito discográfico de Felipe Pirela. Gracias a los versos bien logrados de un bolero que declara su amor a una de nuestras más hermosas ciudades, Pirela se convirtió en suceso para la farándula venezolana de 1960. En la grabación se aprecia a Felipe cantando con mucho susto y corazón, estaba nervioso por la responsabilidad de participar en el disco debut de la nueva orquesta de Billo. Años después confesaría que no le gustaba cantar en los tonos que le escribía Frómeta, y por eso cuando Guillermo González le mostró la partitura de “Únicamente tú”, Pirela le dijo con una media sonrisa, “¿Maestro, usted va a ser como Billo Frómeta que me va a matar, haciendo las canciones tan altas?” En diciembre de 2003, estando en el proceso de investigación de mi libro sobre Felipe, “Lo que es la vida” tuve la oportunidad de entrevistar a través del hilo telefónico a Italo Pizzolante. Fue una conversación breve, pero importante en mi intento de reconstruir ese rompecabezas que es para mi Pirela:

¿Como llego “Puerto Cabello” a las manos de Billo?

La canción le llega a Billo por parte de un amigo mío de origen Porteño, Manuel Enrique Caraballo Gramcko. Nosotros nos veíamos en el negocio de él, que estaba ubicado de Gradillas a Sociedad. A raíz de eso, Manuel Caraballo le habló de mí a Billo y le hizo escuchar una grabación casera de la canción mía. Según me cuenta Manuel, Billo después de que la escuchó se le quedó viendo y le dijo: ‘o me la das o te la arranco, porque esa canción está hecha para Felipe Pirela.’ A mí me emocionó mucho cuando él me llamó por teléfono y me lo contó, ‘dásela de una vez’, le dije. Después yo fui a Caracas y la escuché antes de que saliera el disco, y Manuel me pregunta: ‘¿qué te parece la voz de Felipe?’ ‘¡Extraordinaria!’, le respondí.

¿Y tuvo la ocasión de conocer a Pirela?

Claro, cuando nos vimos, lo primero que yo le dije fue: ‘Felipe, tengo que darte un abrazo porque interpretaste la canción exactamente como yo la hice y le pusiste el sentimiento al ciento por ciento’. Después, recuerdo que fui invitado por unos amigos —no me acuerdo si fue al club Los Cortijos o a El Paraíso— y estaba tocando la Billo’s. Yo no sé quién le dijo a Felipe que yo iba a ir. Mi entrada coincidió con el final del tema que estaban tocando, y Felipe agarró el micrófono: ‘yo quiero pedirle a ustedes una fanfarria; ¡ese, que esta entrando allí, es el autor de Puerto Cabello!’, y la orquesta arrancó a tocar mi canción. Yo no sabía qué hacer con ese gentío que estaba allí y me fui caminando hasta donde estaba él y me le puse al lado. Antes del final, cantamos los dos.

Escuchando ahora: Rudy Márquez

2011-10-21T22:04:00.000-07:00

por: C.Luisa Ugueto

A pesar de la escasa información que hay sobre los cantantes venezolanos, la memoria que tiene largo alcance posibilita la comunión con la música. ¿Qué sabe uno porque recuerda lo que recuerda? A mi me pasa que ante cada situación tengo una canción en la punta de la lengua.

Llevo un año o mas pensando en “No lo puedes negar” por ejemplo, de El amar y el querer (1975) álbum de Rudy Márquez, cantante venezolano, a quien tenia algo de tiempo sin escuchar. No importa que uno “abandone” a la música, pues ella nunca te abandona a ti: se queda en el subconsciente para aflorar de vez en cuando hasta en los gestos más nimios.

Si quieres escuchar a Rudy Márquez, te podría recomendar algunas canciones, que son mis favoritas: De Memorias (1983), me encanta la canción homónima al titulo del álbum, con su comienzo estilo Ray Conniff. Me viene a la cabeza también, de una y sin pensar mucho “La noche de tu boda” y “Sombras”, ambos temas de su LP de 1974: “Cariñosamente… Rudy Márquez”

El cantante formó parte de varios grupos nacionales, antes de ser solista, donde ha hecho una carrera de largo aliento, desde 1972 con su disco “Háblame suavemente”, de donde se extrae la primera canción que fue exitosa de su carrera en solitario, esa precisamente le da nombre al disco, según contó en entrevista el mismo Rudy Márquez.

Es buen tiempo para cantar. Enjoy!

Héctor Cabrera

2011-10-19T16:11:00.000-07:00

por: Luis Ugueto

Seguramente la estrella pop norteamericana Neil Sedaka todavía recuerda la noche del 31 de diciembre de 1963. Estaba de gira por México y fue contratado en el DF por un club nocturno muy de moda en aquellos días llamado “El Señorial”. Durante una semana, notó que el cantante que le precedía en el show -cuyo nombre aparentemente no podía pronunciar con claridad- le iba muy bien con el público. El tal Héctor Cabrera, comenzó su temporada el día once de ese mes con un poco de timidez, no era muy conocido en el medio, pero según comentaban en la prensa había triunfado en Colombia, Cuba, Puerto Rico, New York y la Asociación de Periodistas Latinos en Miami, lo premió como el “Cantante extranjero más destacado de ese año”. Le era extraño ver como aquel hombre moreno, de rasgos peculiares, se paseaba entre las mesas y le cantaba muy de cerca en el rostro a las damas. Era como un Nat King Cole pero moderno, tenía técnica y usaba la media voz y el falcete. Noche a noche le era más difícil salir a escena después de su actuación, notaba al público disperso y casi no le prestaban atención a su famosa “Oh Carol”.

Es 31 de diciembre, Cabrera había terminado su presentación, pero la gente le pedía que siguiera, como no tenía más canciones ensayadas con la orquesta canto otros dos temas a capella y se retiró. Sin embargo, el público seguía aplaudiendo y gritaban a coro ¡otra, otra, otra, Héctor! Ni siquiera las esculturales muchachas del cuerpo de baile de Tito Leduc, quienes danzaban al compás de una danza africana pudieron calmar a la concurrencia que después de un buen rato seguía pidiendo que el venezolano volviera a la tarima. Sedaka muy nervioso en el camerino al darse cuenta de lo que estaba pasando le repetía al director de escena a viva voz y en perfecto español, ¡Yo no salgo, yo no salgo!.

Héctor impuso un récord de seis semanas de actuaciones consecutivas en el legendario “Señorial” y trabajó por muchos años en México. Más tarde vino su consagración en Argentina al ganar el Festival de Buenos Aires en 1970.

En 2003, mientras en su país Sedaka era premiado y reconocido por su trayectoria, Cabrera, con varias décadas a cuestas, retirado y ya sin el afán ni la prisa de sus días de gloria, caminaba tranquilo e inadvertido por las calles caraqueñas. Entraba al banco, a la farmacia, hacia compras y pasaba sin pena ni gloria. De vez en cuando en una esquina alguien le gritaba ¡Rosario! y una mujer, le sonreía y le extendía las manos. Su cosecha – y la de muchos - no fue abundante, la tierra tal vez no era tan fértil.

Música de la ciudad (2): Luz Marina

2011-10-17T18:15:00.000-07:00

por: C.Luisa Ugueto

De la estación del metro de Chacao hasta la sala Corp Banca hay un trecho largo, es de noche y camino con prisa llevando un vestido corto y unas botas que resuenan sobre el asfalto. Es septiembre 2009, y hace unos días compré mi entrada para ver a Luz Marina, camino sola, y aunque he recorrido esas calles un millón de veces de día, estoy confundida, a little lost… creo que debí tomar un taxi.

Estoy nerviosa, pero no porque voy sola al concierto, he visto a Fito Paez, Luis Enrique, Luis Miguel, Frank Quintero, entre otros, sola, da igual con la música esa palabra no existe: s o l a, nadie puede sentirse así cuando alguien canta.

Cuando voy a un concierto tengo expectativas, invento posibles repertorios, yo sé que no la va a cantar, pero en este caso, fantaseo con que la artista venezolana, que inició su carrera discográfica por allá en la década de los 80, cante aquel tema del disco “En un sótano de la florida” (1987), editado por el desaparecido sello Sonográfica. Esa song que ha inspirado las mejores fantasías de mis 29 años (ya ahora 31): “Frente a frente”, esa canción que es “Luz Marina total”, una combinación de música, letra y estilo que la identifican como interprete: crónica urbana de una “cita”, relato de una historia de amor en pleno corazón de la ciudad de Caracas; no puede ser otro el escenario de ese tema, cuyo exteriores de filmarse, podrían llevarse a cabo cerca del CCCT, el Concresa o Centro Plaza.

Vestida de música

Luz Marina Anselmi debutó en 1986 con su disco “A flor de piel”, cuyo tema homónimo fue su single promocional. De este su disco debut, destacan canciones como: Tentación (compuesta por Frank Quintero), Jugando tu juego (de Franco De Vita), Solo faltas tú (cover Ilan), y Comenzar de nuevo de Ivan Lins (de las mejores aunque poco conocida: tienen que escucharla si no lo han hecho!!!).

Recuerdo que años después, en los 90, escuché con mi papá (que la ponía con insistencia) una canción de un disco posterior (antes vendría “Siempre” 1989 editado también por Sonográfica) “Amando” (1991): “La cosa es amar”, tema que combina muy bien con los otros dos de Ivan Lins (Victoriosa y Nota) y uno de Chico Buarque (Tras la puerta) que también se incluyen en el álbum.

Después de “Vestida en Flor” (1995), vino “Coincidencias” , su más reciente álbum y motivo del concierto de este día de Septiembre, noche fría y solitaria, pero prometedora.

Esta música que interpreta Luz Marina, que funde forma y fondo en un mismo paisaje, traerá en su voz sorpresas para este concierto: su interpretación de canciones clásicas de otros artistas, My Funny Valentine, Yo vengo a ofrecer mi corazón, Poco a poco, entre otros. Todavía no lo sé, pero quizás lo presiento, por eso voy caminando, con la premura de quien quiere llegar a su destino, emocionada, pero nerviosa tras cada zancada.

Porfi Jiménez

2011-10-14T18:04:00.000-07:00

por: Luis Ugueto

Siempre recuerdo aquellas dos entrevistas con Porfi Jiménez como las más difíciles que he hecho hasta los momentos, incluso llegue a pensar que le caía mal. Sin embargo, después de la primera, me invito a un ensayo con su orquesta de Jazz en una sala ubicada detrás de Radio Caracas Televisión, en el edificio donde queda la Asociación Musical. Cuando lo llamé y le dije que estaba haciendo un libro sobre Felipe Pirela accedió a atenderme con cierta desconfianza. Sus respuestas eran lacónicas, parcas, con pocos detalles, me miraba con impaciencia y tamborileaba con sus dedos en el escritorio. Ta vez lo intimidó el grabador y estaba a la defensiva por una entrevista anterior que le hicieron para un programa de televisión donde se hablo de forma exacerbada de la vida privada de Pirela.

Aun cuando para muchos Porfi Jiménez era solo el director de la orquesta de merengues que pego, en los ochenta y noventa temas como se “Hunde el barco” y “El Culucucu”, tenía una larga e importante trayectoria como arreglista que reivindicó en los dos últimos lustros de su vida artistica al frente de una Jazz Big Band, un viejo sueño por fin cumplido. Hace un par de años el departamento de cultura de La ONU y la Latín World Shop Society, lo invitó a tocar su música y le rindió un homenaje en New York junto a otro arreglista notable, Ray Santos. Jiménez.

Tenía muy presente el debut histórico de su banda en el Hotel Tamanaco de Caracas un 31 de diciembre de 1963, ese año su nombre se había escuchado muy seguido con el LP de Estelita del Llano, que trajo el clásico “Tú Sabes”, después su participación en el programa “Yo invito” animado por El “pavo” Alfredo Ledesma en RCTV, los arreglos para el segundo álbum de Pirela en 1964, y la producción “Hambre” en 1965 de Blanca Rosa Gil, lo convirtieron en el músico de moda.

Porfirio sentó un precedente en el mercado discográfico nacional al honrar el trabajo de los músicos de su orquesta colocando sus nombres - y hasta los apodos - en la contraportada de su primer long playing. En Estados Unidos esto es muy común, sobre todo en los discos de Jazz, pero en el medio latino y particularmente en Venezuela nunca había sucedido. Velvet, edito el LP en marzo de 1965 y lo tituló “Romance y ritmo”. Para garantizar que se vendiera, le pidieron a Felipe Pirela que grabara cuatro boleros, entre los que se encontraba “La Pared”. Fue un rotundo éxito, así como sus actuaciones en los bailes de Carnaval donde Rolando La serie, el excéntrico cantautor Germán Fernando, Kiko Mendive y el propio Pirela, reforzaron el tren delantero de su orquesta para hacerlo merecedor del codiciado trofeo “Momo de Oro”.

Con más altos que bajos Porfi Jiménez llegó al final de su vida, ahora quizás sus discos antiguos serán objetos de culto, los populares se seguirán bailando en las fiestas y se hablará de su orientación jazzística como arreglista y director, oficios cada vez más en desuso en esta época de música fabricada en una computadora.

Música de la ciudad (1): Guillermo Carrasco

2011-10-11T15:57:00.000-07:00

por: C.Luisa Ugueto

No llegue tarde a la cita, subí los tres pisos del hotel y espere sentada en la cama. En el cajón derecho de la mesa de noche escondí el regalo, no quería que lo descubriera, tampoco le pensaba decir que se lo había comprado, las sorpresas no deben delatarse.

No llegaste tarde a la cita, luego de caerme a besos y darte por vencido (y vencerte y mira que das guerra), buscaste en el cajón derecho de la mesa de noche el objeto envuelto en papel de regalo azul como una de tus corbatas, no sonreíste ni dijiste gracias, tampoco me besaste, me miraste muy serio unos segundos que parecieron horas, creí que algo ibas a decir, algo importante, algo como “Nos vemos mañana” o “Fue un placer volver a verte después de tantos meses”, pero no te dio tiempo de pronunciar ni una sola palabra, el despertador me devolvió al escenario de mi cama.

Estar en un sueño es confuso, sientes como si todo es real, como si todo estuviese sucediendo en efecto, escuchar un disco (si es buen disco) debería ser igual, mientras lo escuchas deberías pensar que todo es real, que no hay más historias que las que tienes en los oídos, no más ruido externo, solo esa realidad imaginaria como la de los sueños: irreal, pero verdadera mientras transcurre.

Guillermo Carrasco (Caracas -Venezuela, 1951) te mete en un sueño cuando canta, la primera canción que escuché de este cantautor venezolano fue “Ojalá”, perteneciente a su disco Visual (1988). En la misma onda que Opus # 10 Ilan Chester (1990), Carrasco cuenta historias urbanas, historias que perfectamente podrían ser el Soundtrack del relato con que inicio este post.

Visual, producido por el mismo Guillermo Carrasco, posee canciones escritas en su mayoría por el, además de escribir en colaboración con Pedro Castillo (Perdida) y Frank Quintero (Soy tuyo). Recuerdo la voz de Guillermo Carrasco en los coros de “Me mata” de Frank Quintero, de su álbum Buscando soles (1989) el cual reúne más historias de amor con pinta de Altamira y de ciudad iluminada por grandes faros amarillos que encandilan. A pesar de que en su carrera han transcurrido espacios de tiempo algo largos entre cada grabación, Guillermo Carrasco ha trabajado en colaboración con otros artistas, tal es el caso del antes mencionado Frank Quintero, Ilan, Pedro Castillo, entre otros.

Las historias de Visual, así como otras de la discografía de Carrasco, se engloban en ese movimiento feliz que unió a artistas como Luz Marina, Frank Quintero, Ilan, Yordano en la muy prospera época de música urbana nacional, esa que convergió en los 80, cuando Jean Carlos Simancas actuaba en Homicidio Culposo (1984) y Marcos Tarre publicaba Colt Comando (1986). Ese movimiento de canciones venezolanas, cuya característica predominante es el gran trabajo en las letras, con planteamientos alejados de los lugares comunes, que acompañaban muy bien las voces armoniosas de sus interpretes.

De Visual podemos destacar temas como: Soy tuyo, Concentración, Como si cuando, Ojalá, Alégrate. Èste su tercer disco, estuvo precedido por: Guillermo Carrasco (1976) y Guillermo Carrasco (1981), luego en 1997, grabó un en vivo: “Este miércoles”, el cual agrupa algunos éxitos de su carrera: Bella y fugaz, Andando, Eres así, Te quiero todavía, Vine a ver, entre otros.

La historia musical de Guillermo Carrasco comenzó en una agrupación de la que he oído hablar, pero que no conozco del todo, el Grupo Syma, formada en Caracas a principios de la década de los 70, según Rock hecho en Venezuela.com. El cantante recuerda esos años en su Blog: "La fama nos sonreía, ya nos veíamos vestidos a la última moda, codeándonos con Jimi Hendrix y con Eric Clapton….. Grabamos entonces, en el estudio de un señor muy serio llamado Francisco González, en las inmediaciones de la Av. Nueva Granada, lo que sería el primer gran éxito del grupo SYMA. No teníamos ni la más remota idea de lo que sería aquella sesión….. estuvimos allí más o menos a la hora, ligeramente intoxicados y revestidos de ese aura que te da suponer que te la estás comiendo…. " escribe el cantante, quien pese al bajo perfil que siempre ha mantenido, es uno de los cantautores fundamentales de los últimos años en este país....

Volviendo a mi sueño, quiero saber si le gusto el regalo, espero soñar con la continuación esta noche...

Aldemaro Romero

2011-10-08T07:06:00.000-07:00

por: Luis Ugueto

En septiembre de 1949, un Aldemaro Romero de apenas 21 años, lleno de ideas innovadoras, fundó su primera orquesta de baile. Con influencia de las orquestas de jazz norteamericanas, así como del movimiento del “bebop”, Romero reunió a un grupo de los mejores músicos del país para tocar sus complejos arreglos musicales, también inspirados en el sonido de bandas latinas asentadas en Nueva York como la de “Machito y sus afrocubanos” y “Noro Morales”.

Desde la primera fila de los acontecimientos, su hermano menor Godofredo Romero, fue testigo y parte de la formación artística de Aldemaro. La tarde del 3 de junio de 2009, tuve el gusto de entrevistarlo y conocer, de la misma forma en que ahora se las presento a ustedes, parte de la historia de lo que para muchos fue la mejor y más progresiva jazz band criolla de todos los tiempos:

- Esta era una orquesta que por las características de los arreglos y las exigencias de Aldemaro, necesitaba músicos de altísima calidad y los pocos que habían ya estaban contratados, por ejemplo Pablo Armitano, que llegó a tocar con nosotros, tocaba con Luis Alfonzo. Entonces, a lo que recurrió mi hermano fue importar músicos, Vinieron músicos de México, Cuba y unos americanos. Aldemaro contrató una vez a J. J. Johnson, él iba a venir a tocar, inclusive mandó sus peroles pero después no apareció.

¿Cómo llego a tocar con la orquesta de su hermano?

- Por esa misma escasez de músicos, Aldemaro me dijo un día: “Godo, ¿por qué no aprendes a tocar trompeta? Y me compró una. Había un músico cubano, Armando López, que me enseñó y en seis meses ya estaba tocando. Yo era muy jovencito. Tenía como 14 años y estudiaba en la Escuela de Artes Plásticas en Puente Llaguno. De allí salía a Radio Continente donde teníamos un programa a las seis de la tarde.

¿Qué papel jugó Antonio Cortez en la formación de la orquesta?

- Antonio era un comerciante muy creativo, pero muy mal administrador. Aldemaro y Antonio se hicieron grandes amigos y hasta compadres; y cuando se le ocurrió la idea de hacer la orquesta, Cortez se la financió. Pagó los atriles que los diseñé yo, los uniformes… todo. Muchas veces se hacían los ensayos en la tienda de Antonio. Sin él habrían sido muy difíciles muchas cosas. Era un amigo muy querido y muy dispuesto, no le importaba el dinero. Hasta la idea del eslogan “En El Ávila es la cosa” se le ocurrio a él.

¿Por qué teniendo tan buenos musicos e incluso a uno de los mejores cantantes de musica bailable de la epoca como lo fue Victor Perez la orquesta duro poco mas de dos años?

- Porque el público nuestro no estaba preparado para el ritmo que estábamos proyectando. Aquí la gente estaba acostumbrada al tun tun tun de Billo. Entonces tú le tiras una guaracha en ritmo de “bebop” con glisandos y una cantidad de síncopas y la gente no sabe cómo bailar eso. Nos pasaba mucho que cuando venía la parte instrumental de los temas, la gente se quedaba parada. Aldemaro quería hacer las cosas no convencionales, no comerciales y eso tuvo su precio. Llegó un momento que dijo ¡esta orquesta no va más!

Luis Ugueto sobre Pirela "Las cosas que le pasaron, le ocurrieron por pendejo, por ser un hombre de buena fe, sin malicia"

2011-10-05T17:53:00.000-07:00

Del documental, titulado “El hombre detrás de su música”, Ugueto destaca que su intención fue “dibujar el personaje a través de las entrevistas y el relato. Trato de develar qué fue lo que realmente pasó con él, porqué lo vetaron en sus últimos años, interrogándome en torno al porqué los venezolanos somos así, porqué aquí no se perdona el éxito de otros compatriotas. El lenguaje no es complaciente, es más bien duro. Se dicen las cosas tal cual sucedieron. Recojo inclusive las declaraciones que en su momento hizo su asesino. Tratamos de descubrir quién era, su temperamento, la persona que estaba detrás de las canciones”.

....

-¿Por qué Felipe Pirela?

"-Porque es un personaje que me interesa muchísimo, pero no por el lado sensacionalista. Él tenía un concepto real de él mismo como cantante. Los que lo conocieron no tenían nada malo que decir de él. La gente lo recuerda como un buen ser humano, y que las cosas que le pasaron, le ocurrieron por pendejo, por ser un hombre de buena fe, sin malicia."

El Mundo / 15 de mayo de 2009.

Video: Extras de "El Hombre detrás de su música" / Documental realizado por el autor de "Lo que es la vida" sobre el cantante Venezolano.

Roberto Ledesma

2011-09-29T05:51:00.000-07:00

por: Luis Ugueto

Venezuela ha convertido en estrellas a artistas, para quienes la fama era solo un sueño antes de pisar Caracas. En época reciente, desde Gilberto Santa Rosa, pasando por Olga Tañón y muchos cantantes de la llamada salsa matiné como Alex de Castro, se han hecho un nombre internacional tras triunfar en nuestro país. En los años sesenta, voces como las de Marco Antonio Muñiz, La Lupe y Roberto Ledesma, se consagraron luego de venir de gira a la tierra de Bolívar.

El caso de Ledesma fue singular, ya era un hombre que frisaba los 40 años, casado y con hijos, cuando lo sorprende el éxito en junio de 1965. Era de origen cubano y se dio a conocer con un trio llamado “Martino” con el cual viajó por toda Suramérica por más de diez años. En ese tiempo, participó en películas como “Arrabalera” (1951), “Delirio tropical” (1952), “Mi viudo y yo” (1954) y “Vida nocturna” (1955). A principios de los sesenta se separa del grupo y canta por poco tiempo con la Orquesta de José Fajardo, hasta ese entonces la música le había dado dinero suficiente para vivir, pero no fama, era un cantante más. Incluso, en los meses que precedieron su estrellato había grabado para la firma Kubaney el álbum “Holiday in Les Violins” con la orquesta de Manuel Godinez Jr, el disco tuvo que ser recogido del mercado porque no se vendía.

Su suerte cambio al grabar el tema “Se me olvido tu nombre” del periodista puertorriqueño Raúl René Rosado con los arreglos de Pepe Delgado. La compañía “Gema” de los hermanos Álvarez Guedez lo contrató e hicieron una inversión para promocionarlo. Rápidamente comenzó a sonar en Miami, Puerto Rico y Panamá. Sin embargo el impulso definitivo a su carrera se lo daría Venezuela, donde entra en promoción en Febrero de 1965, esto generó una gran expectativa por verlo actuar en la televisión y centros nocturnos.

Ledesma tenía una estilo de cantar extraordinario, con mucha personalidad, su forma de alargar las vocales, “rubatear” y jugar con los registros graves lo distinguían. Su llegada al país ocurrió el amanecer del domingo 30 de mayo de 1965, contratado para presentarse en el “Show de Renny”. Desde un primer momento se mostró agradecido por el respaldo de nuestro público y prometió grabar en sus próximos discos canciones venezolanas. Estaba sorprendido por el recibimiento, no sabia que aquí era tan querido. Sus boleros “Se me olvido tu nombre”, “Donde estas corazón” y “Yo no soy tu amigo” eran muy solicitados en los programas radiales de complacencias.

Tal vez mucha gente de mi generación, no saben quien fue Roberto Ledesma, escucharlo puede ser una experiencia enriquecedora, sobre todo para los cantantes de esta época, que parecieran estar más preocupados en el vestuario y el cabello que por construir una propuesta artística original y sólida.

Lucho Gatica, polémico debut en Venezuela

2011-09-24T18:31:00.000-07:00

por: Luis Ugueto en Perspectivas / La Verdad del Zulia

Cuando Lucho Gatica vino por primera vez a Venezuela en 1956 estaba en el cenit de su carrera. Venía de actuar en México y era el rey del bolero, la prensa especulaba que estaba cobrando 5 mil dólares semanales de sueldo, una cifra pocas veces pagada en la farándula local. Su llegada estuvo precedida de una gran publicidad y hasta el incendio de una fábrica de discos que tenía algunas licencias de sus grabaciones sirvió como propaganda.

El siniestro ocurrió cerca de la una y media de la madrugada del sábado 1 de septiembre. Los inquilinos del edificio “Miguel” ubicado en la avenida principal de Maripérez en Caracas, se despertaron alarmados por la humareda que lleno sus apartamentos en minutos. El fuego provenía de la planta baja, donde se encontraba la fábrica de los hermanos Rafael y Nemias Serfaty, “Venezolana productora de discos S.A.”, una de las más importantes compañías discográficas del país. En minutos los bomberos controlaron la situación, pero no pudieron evitar las pérdidas materiales que alcanzaron la suma de 150 mil bolívares. Sobre este incendio siempre corrio el rumor el rumor de que el gobierno de Marcos Pérez Jiménez, había mandado a quemar el negocio como un pase de factura a Rafael Serfaty, quien era adeco y estuvo preso en Guasina por subversivo.

La visita de Lucho al país se vio empañada por su propia imprudencia al emitir una opinión desfavorable en la prensa de Maracaibo sobre Alfredo Sadel. Después de triunfar en Caracas, el chileno viajo al Zulia donde trabajaría en Ondas del Lago y en varios teatros de la ciudad. Gatica causo varios desmayos en sus presentaciones, pero también la indignación de todas las maracuchas y venezolanas al declarar a la prensa que Sadel “ya había pasado de moda”

“No me gusta hablar de mis buenos amigos. Pero si he de ser sincero, estimo que aunque está muy bien en su género, ya ha pasado de moda. El tipo de canción que cultiva no interesa en nuestros días. Lo mismo ocurre con Ortiz Tirado y Néstor Chaires, cantantes que ya estan olvidados del todo por no evolucionar”.

Alfredo evito responder publicamente las declaraciones de Lucho, quien unos meses más tarde haría lo mismo en San Juan de Puerto Rico, diciendo esta vez que Bobby Capó, bien podría servir para adornar museos. No habia escarmentado, solo los años lo harían más prudente, pero no mejor cantante como a Sadel y Capo: la magia de su voz se esfumo prematuramente al comienzo de la decada del sesenta como consecuencia de un problema de salud.

Luis D ' Ubaldo un mito olvidado

2011-09-20T19:38:00.000-07:00

por: Luis Ugueto para Correo Cultural de Conarte

Mientras los mexicanos tienen un canal de televisión internacional dedicado exclusivamente a transmitir las 24 horas del día sus películas y series realizadas décadas atrás -porque entienden que esas no son cosas de viejos ni pasadas de moda, sino parte importante de la cultura nacional- en Venezuela existe un total desconocimiento, abandono y desidia por nuestro patrimonio audiovisual. Los norteamericanos no han colonizado el mundo con armas, antes que sus tanques y aviones sofisticados, ya su cine y su música convencieron a media humanidad que su estilo de vida es el apropiado, que Frank Sinatra es el mejor cantante de todos los tiempos y que en Hollywood todo es perfecto.

Nuestras televisoras han perdido la oportunidad de realizar una gran labor social al engavetar y dejar deteriorar las cintas que contienen nuestro registro histórico. Cercenar el pasado nos ha impedido acceder a información valiosa, la gente de mi generación es apática y no conoce muchas cosas que nos identifican como país. Nombres como Luis D`Ubaldo son extraños para una juventud que sólo escucha lo que está de moda y se promociona por la TV y la radio. En 1968 en una encuesta que tuvo como jurado a Aldemaro Romero, Aníbal Abreu y Eduardo Cabrera, tres de los directores y arreglistas latinos de más prestigio en la industria del disco, se eligió a D' Ubaldo como la mejor voz de Venezuela. Si toman en cuenta que en esta medición de popularidad este artista competía con Héctor Cabrera, Raúl Naranjo, Felipe Pirela, Almenar Otero y Alfredo Sadel, entre muchos otros, tendrán la medida de la estatura del personaje.

D' Ubaldo, es un mito olvidado y sin embargo es cantante de culto, sus compañeros del medio artístico lo admiran, muchos dicen que no ha habido un mejor intérprete melódico de música criolla, pero curiosamente en ninguna tienda de discos, ni aun entre los piratas se pueden encontrar grabaciones suyas. Luis manejaba la media voz con maestría, tenía un estilo moderno que se adaptaba a cualquier género. Uno de sus grandes éxitos fue la balada "Zingara", la canción ganadora en el festival de San Remo de 1969. La versión de D' Ubaldo supera a la del triunfador del evento Bobby Solo y por varias semanas figuró entre los temas más populares de ese año en la cartelera radial de Venezuela. Luis fue un cantante de competencia y grandes retos: en 1970 ganó el Festival del Niño y al año siguiente La Voz de Oro de Venezuela; luego arrasó en Puerto Rico en 1976 y en Perú en 1978. Con semejante hoja de vida es increíble que Radio Caracas televisión y VTV (canales que lo tuvieron por años como artista exclusivo), nunca hayan pensado en hacerle un homenaje. No se trata de exhibir como reliquias algunos videos un solo día, sino incorporarlo como memoria viva para que las nuevas generaciones lo conozcan.
Están a tiempo, aunque sea por rating o dinero háganlo, hay un público que ansia ver de nuevo a sus artistas, la historia se los va a agradecer.

El bolero como utopía

2011-09-16T13:55:00.000-07:00

por: C.Luisa Ugueto L.

Alfredo Sadel dijo en una vieja entrevista que le hizo Enrique Bolívar Navas, que las canciones son un reflejo de la vida diaria, que la época moderna (hablaba del tiempo en que se realizó la entrevista: los 80) se vinculaba el afecto hacia aspectos menos contemplativos, menos románticos y mucho más ligados a la practicidad de las emociones. En esa oportunidad, dijo el cantante venezolano, que quizás por eso el bolero y las canciones románticas, se difuminaban cada vez más en el tiempo.

Tal vez por eso que comentó Sadel, el bolero, como género musical ha “desaparecido” (¿desaparecido?) del mercado de la música comercial vendedora de millones. En la vida moderna el bolero (tal como lo conocemos dentro de la música popular latina) no tiene cabida (¿no la tiene?), aunque el imaginario de la balada y la salsa romántica, tenga temas y motivos similares. A fin de cuentas el amor siempre ha estado en el aire, solo que en esta época se presenta con características propias.

El arte imita a la vida ¿y lo contrario?

Audrey Hepburn

El arte difiere de la vida, es decir es ideal, en el sucede lo que en la realidad sería, por decirlo de algún modo, difícil. El arte es mejor que las personas, mejor que las emociones “reales”, precisamente por eso, porque es “ideal”. Con la música sucede lo propio.

El bolero suena obsoleto en una época donde resulta cursi, casi todo lo que no sea express, todo lo que no sea superficialmente rápido, como los sms, el chat, o las amistades casi anónimas (conocidos desconocidos ¿se han fijado?) del facebook.

Lo revivió Luis Miguel, hace algunos años, le siguió Charlie Zaa la cuerdilla, como producto comercial para la gente de mi generación. Vendieron discos y trajeron a la radio otra vez algunas canciones. Sin embargo, su regreso (¿se ha ido?) fue breve, quizás porque el reggaeton ha ocupado los principales espacios entre las masas calenturientas de jóvenes, que son los principales compradores de discos (no se que pasa que la gente adulta como que no tiene tiempo para la música: son gente tan ocupada, esto es una ironía... por cierto).

Sin cursilerías ni pavosadas de “todo tiempo pasado fue mejor”, puedo decir que me gustan los boleros, están llenos de creatividad y calidad artística. Aunque somos esclavos de nuestra época (he bailado reggaeton, pues si...), quizás en América Latina, necesitemos que tal como Amy Winehouse cantó Body and Soul con Tony Bennett, algunos cantantes “nuevos” se pleguen a la tradición de otros tiempos, por este lado de la geografía.

Felipe Pirela y DJ Afro

2011-09-09T18:59:00.000-07:00

Post publicado en Luis Ugueto: escritor y productor el 19 de Marzo del 2010.

Léelo aquí!

Luis Ugueto ^ Entrevistas

2011-09-09T17:39:00.000-07:00

Entrevista realizada el 20 de julio de 2009 en el programa 3 para las 9, al escritor, Luis Armando Ugueto, autor del libro, "Lo que es la vida"

A mí me llaman el loco

2011-09-07T09:42:00.000-07:00

Por: Luis Ugueto para La Verdad del Zulia / Perspectivas

Unos decían que estaba loco – clínicamente loco – otros, que era un genio, un tipo fuera de lo común. Las grabaciones que permiten acercarnos a Germán Fernando nos hablan entre líneas de un artista totalmente emocional, histriónico y convincente en sus interpretaciones. Muchos aspectos de su vida son desconocidos y secretos, se dice que vendía sus composiciones y que hoy en día algunas de ellas son éxitos mundiales.

Pertenecía a una familia respetable y adinerada que lo envió a estudiar a los Estados Unidos. En New York se hizo cantante y comenzó a trabajar en bares y radios. Las primeras noticias de su éxito aparecen en la prensa venezolana en 1957 cuando se anunciaba su pronto debut en Radio Caracas Televisión, “en el ´Chateau Madrid´ Germán Fernando ha sido el evito deslumbrante de toda una temporada; allí su voz ha tenido la guirnalda de los aplausos (La Esfera 25-03-1957)

Todavía en el país no se hablaba de la Nueva Ola ni del Twist cuando Germán llego con su estilo. Su semana inicial de actuaciones en el programa estelar del canal de Bárcenas fueron un suceso. Era un hombre muy atractivo, simpático, siempre con una anécdota o un chiste picante a flor de labios para hacer reir a quienes se le acercaban.

En ocasiones vestía de forma extravagante con camisas de colores fuertes o de tonos que llamaban “chillones”. Su desenfreno en escena llamó la atención del público y contó con aliados y detractores entre los mismos cantantes y críticos de farándula. En la época de sus primeros triunfos en Caracas, Marco Tulio Maristany a las puertas de RCTV le dijo, “estuvo muy bien tu show, ¿pero cuando vas a cantar?”.

Su arte podía pasar de lo sublime al mal gusto - y ser acicateado por la prensa -

cuando sometía a los televidentes a canciones extrañas donde gritaba pidiendo auxilio y socorro; o ser elogiado por hermosas composiciones como “Rueda el mundo”, “Mi último refugio” y “La casada Infiel”. Siempre que Germán estaba en Venezuela, Renny Otolina y Aldemaro Romero lo contrataban para sus programas de televisión. Su voz registró en discos las primeras versiones de “Doña Mentira” y “Carretera”, clásicos del repertorio de Aldemaro. Tuvo una carrera interesante pero no prospero quizás por su carácter, sus inconstancias y excesos. Sin embargo la posteridad lo convirtió en artista de culto, de transición, así como la Lupe y Francisco Fellove, Germán es un eslabón sin
el cual no podríamos explicarnos el hecho artístico actual.

De su paradero casi nada se sabe, incluso su familia desconoce donde se encuentra, sus allegados comentan que lo vieron hace algún tiempo en Puerto Rico, La Guaira o Miami. Desde New York el año pasado llego la noticia de su muerte, pero nadie puede precisar cuándo ocurrió ni en qué lugar está enterrado. Hasta el final Germán Fernando sigue siendo impredecible.

José Luis Rodríguez

2011-09-03T15:33:00.000-07:00

por: Luis Ugueto para Correo Cultural de Conarte

Ya estaba a punto de retirarse del canto cuando Estelita del Llano lo llamo por teléfono para decirle que Billo Frometa podría estar interesado en contratarlo para su orquesta y quería hacerle una audición. Era agosto de 1963. José Luis Rodríguez tenia decidido continuar sus estudios y olvidarse del difícil negocio del espectáculo, que hasta ese momento le había dejado pocas satisfacciones. Dos años atrás formaba parte de “Los Zeppy” , un grupo vocal nada original, pero muy popular, que logro captar el interés de la juventud a través de la interpretación de ritmos de moda como el “Rock and roll” y el “Twist”.

Sus integrantes – a excepción de Estelita del Llano - eran estudiantes del Liceo “Pedro Emilio Coll” de Coche, sin ninguna experiencia ni preparación musical. Para Alberto Lewis - alias “Al Zeppy” - Nicolás Alvarado, Agustín Calzadilla y José Luis, el éxito fue una sorpresa. De la noche a la mañana triunfaron en la televisión y sus grabaciones sonaban constantemente en la radio. Sin embargo, no tenían idea de muchas de las incomodidades que se vivian en la profesión artística, “uno se imagina una cosa y la realidad es otra” – contaba José Luis, ya siendo “El puma” en una entrevista en los años ochenta – “cuando comenzamos a viajar para el interior, vemos aquella carencia de músicos, de sonido (…) era horroroso. Nos metían en hoteles donde volaban las cucarachas arriba de uno; y aquel calaron (…) Muchas veces no nos pagaban, siempre veníamos con las tablas en la cabeza y nos fuimos decepcionando”

En junio de 1962, luego de año y medio de trabajo, “Los Zeppy” se disuelven dejando en el aire un contrato con Radio Caracas Televisión. Agustín y Nicolás retomaron sus estudios, mientras que Estelita, Alberto y José Luis, continuaron en la música. Para José Luis fueron tiempos muy precarios. En esa época se hace novio de Estelita del Llano y se lanza como solista por primera vez. Se presenta en televisión y es contratado en Maracaibo, pero la gira resulto un desastre financiero. A finales de año “Discos Velvet” le graba un “Extended Play” con canciones de Chelique Sarabia. No obstante el disco tuvo problemas desde el comienzo: por un error de producción la carátula salio con una foto de Chelique, en lugar de la de José Luis como correspondía al ser su álbum debut; luego el material no fue bien recibido por el publico y la disquera no lo volvió a llamar.

José Luis recuerda como “interminables” los meses que precedieron su estrellato. Esporádicamente Aldemaro Romero lo llevaba a su show de televisión y daba serenatas tocando arpa con Cherry Navarro, Chelique, Toco Gómez y Guillermo González. Como un milagro, cuando la situación económica en su casa se agravo, Billo llamo a su casa y le propuso sustituir a Felipe Pirela. Estelita había logrado persuadir al maestro de contratar a su ex novio en lugar de Cherry. Así comienzan sus 50 años de carrera artística. Ninguno de sus contemporáneos pudo haber imaginado que llegaría tan lejos.

25th Anniversary Performance deTito Rodríguez

2011-08-31T18:35:00.000-07:00

por: C.Luisa Ugueto

Creo que a Gilberto Santarosa, le alegraría saber que he borrado algunos temas suyos de mi MP3 (ya no tengo ipod… la crisis, ya saben…) por grabar algunas songs de su ídolo fundamental: Tito Rodríguez. Son las siete de la noche y ordeno las canciones en este aparato rudimentario que me he comprado para no quedarme en silencio y seguir viviendo con soundtrack.

La música, además de sonidos es un imaginario, un conglomerado de ideas sueltas en melodías. Si tuviera que representar el universo al que siempre me transporta Tito Rodriguez pintaría un ámbito lleno de clichés: un salón con luz tenue, un hombre con corbata entre las sombras, un cigarrillo, la lluvia y ya conocen el resto. Casi como si se tratara de una película con Humphrey Bogart, donde el humo y el misterio son los platos fuertes. Casi como se nos presenta en el comentario de la parte de atrás de su LP "En escenario", la descripción más perfecta sobre su música que he leído.

El Tito Rodríguez bolerista opacó durante muchos años, mi imagen del Tito Rodríguez cantante de música bailable. Me acostumbré a escucharlo cantar temas como “Si te contará”, “Tu pañuelo”, “Lo mismo que a usted”, "Tiemblas" en detrimento del resto de su repertorio un poco más movido. De hecho, siempre pensé que esa era su faceta fundamental, quizás porque mis primeros escarceos con el cantante puertoriqueño fueron con esa clase de música, nada de "salsa", Tito Puente y "el que se fue"... de eso me enteré luego. Quizás por eso lo prefiero cantando boleros. En este disco lo hace y mucho...

Eso de escuchar “en vivo” algo que sabes tan ajeno en el tiempo, da una sensación de proximidad y cercanía. En su disco 25th Anniversary Performance, canta, conversa y hace chistes, y casi que puedes imaginar que permanece allí en ese espacio del tiempo donde no hay muerte ni silencio.

De esta, su última grabación, destacan especialmente el opening, los Medley, Mío, Lo mismo que a usted, entre otros.

Lo de abajo es "Si te contará", una de mis favoritas... no precisamente versión de ese Álbum. Enjoy!

Backstage: La excitante Lupe con Bolívar Navas

2011-08-29T18:56:00.000-07:00

Por: C.Luisa Ugueto

En “El Secreto de sus ojos” (Argentina-2009), se dice: “Una persona puede cambiar de nombre, de calle, de cara, pero hay una cosa que no puede cambiar… no puede cambiar de pasión”, quizás eso fue lo que le ocurrió a Henrique Bolívar Navas durante toda su vida, nunca pudo cambiar de pasión. Así que se dedicó a entrevistar a personalidades de la música, haciendo su carrera en diferentes espacios en la radio a nivel nacional.

La Candela Matancera, fue uno de ellos, un programa que comenzó a finales de los 60’s y continúo casi hasta los últimos días de su vida. En este espacio, entrevistó a la Lupe, por allá en 1971 cuando su carrera todavía era un paradigma de éxito, antes del eclipse en el que se vio envuelta su carrera a partir de ese año… pero esa es otra historia.

Vamos a 1971, al backstage de la presentación donde la artista cubana compartiría tarima con La Billos, Tito Rodríguez y Felipe Pirela, entre otros.

La excitante Lupe

Entre bambalinas, esperando su turno para cantar, La Yiyiyi y Bolívar Navas se encuentran, tal parece que el entrevistador y la entrevistada tienen algo en común, ella se lo dice: “tu eres como yo, tu lo sientes, a ti te gusta tu trabajo y se nota. Yo te hablo, te comunico y los ojos te brillan” recalca con esa voz que al igual que cuando canta transmite anfetaminas.

Están en el Caracas Hilton, corre el año 1971, ella espera para presentarse en un espectáculo colectivo de los Carnavales de ese año, Bolívar Navas se ha colado para entrevistarla, aprovechando el espacio de tiempo muerto cuando todavía no la han llamado para cantar.

El show

Bolívar Navas le comenta a La Lupe, que él al igual que el público de esos días carnestolendos, lamentan que su presentación este siendo tan breve, ya que por ser un espectáculo colectivo, el tiempo esta repartido a partes iguales entre todos los artistas participantes del show, razón por la cual ella solo puede interpretar ocho números:

“A la limitación de tiempo, le he sacado bastante partido, porque con el que me han dado, todo lo que he hecho lo he sentido y la gente no le importa que sea poco o mucho, yo me erizo y ellos se erizan y gozan conmigo” dice.

El show que ha presentado La Lupe, en esa ocasión, no es un espectáculo como el que realiza en ese entonces en algunos Night Club, los cuales, comenta, duran 1 hora y 20 minutos: “Yo se que a ti te gustaría verme trabajando en night club, a ti y a los Caraqueños, a todo el mundo… Modestia aparte, es una experiencia, aunque no tiene nada que ver la modestia, yo me entrego a mi público… yo lo gozo, les hablo, les cuento de mi vida, les pregunto a ellos, canto todo lo que quieran, me aplauden de pie. Es muy lindo, pero en otra oportunidad será.”

Como acostumbro

Entre el ruido de la música que bordea la entrevista, los nervios ante la espera por la presentación de la cantante, Bolívar asoma un nuevo tema de conversación: una de sus últimas grabaciones para ese entonces, y que representa para la artista toda una apuesta y un salto de fe en los anales de su discografía.

“Ese número es de Paul Mauriat, Paul Anka le puso la letra en inglés, la grabo Frank Sinatra le pego y al cabo de los años lo descubro en francés, y no se me parece a “My way” ni nada, entonces le pongo la letra en español… y es un hit” dice para luego tararear parte de aquella canción “Como acostumbro”, una versión latina del clásico “A mi manera”.

Bolívar Navas la insta a recordar parte de sus éxitos, ¿Qué te pedí?, Adiós, La tirana, Carcajada Final, a lo que la cubana añade que su canción favorita es “Adiós”: “Me tengo que ir casi siempre llorando por el sentimiento cuando la interpretó, ahora con “Como acostumbro” me pasa igual” comenta.

El ruido de los músicos, los murmullos de un público expectante, ponen fin a la entrevista y dan la pauta para el comienzo del show. Desde esa noche ha corrido mucha agua debajo del puente, seguramente ni Bolívar ni La Lupe esperaron que tantos años después, el tiempo los trajera de vuelta, al menos como un mosaico, una postal, una fotografía de un momento que como todo lo presente, parecía fútil e intrascendente, aunque sin embargo fuera mucho, mucho más…

Texto realizado a partir de Entrevista de Enrique Bolívar Navas, 1971. Presentada en el Programa “El sabor y el Saber” conducido por Jesús Rafael Pérez, para RNV / Domingos: 7:00 pm / 2010 -2011

José José underground

2011-08-26T18:04:00.000-07:00

por: C.Luisa Ugueto

La imagen que ha quedado con el tiempo de José José, es aquella ligada a su mayor éxito de los últimos años: “40 y 20”. La gente de mi generación, se imagina que “El príncipe de la canción” como lo llamaban, es solo aquel cantante de voz gastada, con problemas para hablar o coprotagonista de Betty la Fea, versión México.

El tiempo acaba con todo y desdibuja la esencia de los hechos y las personas, olvidamos con facilidad que lo que ahora es de un modo, no siempre fue así. Vivimos para lo inmediato, para las modas, para “el momento”. Pasa en la vida, las lealtades se traicionan o son endebles, las pasiones no se mantienen, amistades “de Facebook”, canciones en la radio que se posicionan por espacios cortos de tiempo, para luego ser echadas al olvido. Recuerdo cuando Britney Spears era la estrella del momento (no hace mucho) ahora es un dinosaurio…

Con José José sucedió que su imagen actual, transgredió su pasado, al menos para las generaciones contemporáneas. Sin embargo, algunos recordamos que la carrera de José Sosa vivió tiempos mejores.

Si pudieras prever el tiempo no te mojarías con la lluvia imprevista, si pudieras prever lo que va a pasar no te fijarías en tal o cual persona. Hay gente peligrosa, no por dañina, más bien porque no la olvidas cuando debes, se quedan pegados o mejor dicho: te quedas pegado con ellos. Hay música peligrosa e imprevista como alguna gente y el tiempo. Tal es el caso de José José, te quedas pegado, te engancha, si llegas a conocerlo “realmente”.

Camino por la avenida a esta hora vacía, “El triste”, álbum de 1970 de José José, esta rodeado de libros usados, juguetes viejos y ropa de saldos. El vendedor conversa con unos viejitos que juegan al ajedrez. Es raro ver este disco así, en la calle entre discos olvidados de un domingo, uno de esos días en que es fácil pensar en matarse. Es raro, porque cuando lo compré, me costo mucho conseguirlo. Lo compré hace algunos años, una edición en cd que salió como parte de la colección de clásicos que su casa disquera tuvo el acierto de reeditarle.

El vendedor juguetea con un encendedor que tiene en la mano: “¿Cuánto es el precio?” pregunto, me mira con detenimiento como si percibiera mi interés y dice: “70 mil”. “Pero esta maltratado” le digo. “70 mil” insiste. No way pienso para mis adentros, pero respondo: “¿Has vendido mucho hoy con esos precios?”, “No, pero a este viejito siempre le saco plata"...

“El triste”, disco que hasta en saldos se sigue vendiendo, tiene canciones, que mas allá de su éxito comercial (el nombre del disco es el mismo de uno de sus temas más conocidos) son un ejemplo de lo que podemos decir de la carrera del artista mexicano, su forma de interpretar, su ARTE. Si tuviera que elegir un álbum de José Sosa para escucharlo "cantar de verdad" este sería.

Alguien Vendrá, La noche de los dos, Llegará, de la película que protagonizo junto a Verónica Castro (melodramática y cursi), Dios Es Amor de Roberto Cantoral, ¡Oh, Gente!, Amoras, también de Cantoral y A Partir De Hoy escrita por Armando Manzanero, son algunos de los temas que puedes encontrar en este disco que fortaleció su carrera internacional.

Si quieres conocer al “verdadero” José José mira el pasado. En el, como en la infancia, esta la clave de todo.

Las Historias de Luis Ugueto en Radio!

2011-08-20T15:00:00.000-07:00

por: C.Luisa Ugueto

Escribió Charles Bukowsky una vez, que para ser un buen escritor “tienes que cojerte a muchas mujeres, bellas mujeres”, no se que piensa Luis Ugueto al respecto.

Quizás no esta de acuerdo con uno de los representantes del “realismo sucio”, quizás el crea que para ser un buen escritor y escribir sobre música (no como Charles el irreverente) hay que escuchar muchos discos, lo que equivaldría tal vez a “cojerselos”.

Copular, fornicar, encamarse con la música es casi tan divertido, que hacerlo con alguien del sexo opuesto (o del mismo sexo… depende de los gustos, no le pregunten a Ricky Martin...).

En fin… Ugueto no habla de un modo procaz como el escritor norteamericano. Ugueto tiene una voz tímida, pero segura que se deja escuchar todos los sábados, entre seis y siete en el canal Musical de Radio Nacional de Venezuela. Su programa “Historias de la música popular en Venezuela” es un aporte más, como lo fue su anterior espacio "Únicamente tú", por poner a sonar en la radio aquella música de “otro tiempo”, que no deja de estar presente en este, sobre todo esa que se realizó en nuestro país.

Cada sábado a las seis de la tarde en RNV, el autor de “Lo que es la vida”, la biografía de Felipe Pirela, comparte con los radio oyentes, sus conocimientos como investigador en el área, además de buena música.

El escritor y técnico de grabación, ha producido espacios radiales especializados en el bolero y la música tropical bailable, en las emisoras Fe y Alegría 1390 AM, Sintonía 1420 AM, y Radio Nacional de Venezuela, 880 AM. Sobre Felipe Pirela ha participado en conferencias, charlas, programas de televisión, ha escrito artículos para publicaciones especializadas y producido compilaciones discográficas para la compañía Velvet de Venezuela, quienes también han solicitado sus servicios como asesor y escritor, en otros proyectos.

Actualmente se encuentra escribiendo su segundo libro de crónicas de música popular, trabaja en un guión cinematográfico sobre la vida de Felipe Pirela y mantiene su columna “Perspectivas” en el diario “La verdad del Zulia”.

Historias de la música popular en Venezuela

RNV Canal Musical / Sábados 6:00 pm.

Cronicas en Vinyl, música de todos los tiempos en Venezuela vía You Tube

2011-08-20T14:53:00.000-07:00

En la infancia aprendí a disfrutar de la literatura: Borges, Cortázar, Poe, Lygia Bojunga Nunes, Machado de Asís, Quiroga, las hermanas Bronte, Virginia Woolf. Aprendí sobre música, aprendí a correr ( de adulta... no es tan fácil, como la gente cree) porque me gustó, me dio por ahí y no por tirar piedras.

Lo que se "aprende" o "conoce" viene dado por esa cosa rara que llaman "los gustos" ¿De donde provienen? Ni idea...

Just... a veces uno se pregunta: ¿Cómo alguien puede coleccionar tantas cosas que te parecen inauditas, imposibles? ¿Cómo alguien tiene tantos discos, videos, canciones que no te imaginas que existan mas allá de los archivos de algún canal de televisión? ¿Cómo puede suceder eso? Simple… porque le gusta, a esa persona le gusta, conoce y sabe, tan solo por eso...

Crónicas en Vinyl es un canal de You Tube, que supongo debe estar gerenciado, por alguien a quien “le gusta” (y mucho) la música. Jesús Pérez, locutor de radio y melómano, comparte con el resto, los videos musicales de su colección. Canal dedicado solo a cantantes venezolanos y a cantantes extranjeros de visita en Venezuela. Siempre es interesante echarle un vistazo.

Pínchalo aquí!

Crónicas Radiales: El Sabor y El Saber de Henrique Bolívar Navas

2011-08-20T14:48:00.000-07:00

Cuando Henrique Bolívar Navas comenzó su carrera en las distintas emisoras capitalinas: Radio Tropical, Radio Miranda, YVKE Mundial, Radio Sensación, Radio Tiempo, Radio Continente, Circuito Radio Venezuela y Circuito FM Center, entre otras, jamás se imaginó que estaba siendo parte activa de la creación de la historia de la Radio en el país. De igual modo, su amigo: músico y hombre de radio: Jesús Rafael Pérez, jamás pensó que llegaría a ser el depositario de esa historia.

Tras la muerte de Bolívar Navas, Jesús Pérez, músico, locutor, e investigador, quien estuvo a cargo de la conducción y producción por ocho años del espacio Guarachando, una referencia en cuanto al estudio y divulgación de la historia de la Orquesta Billo´s Caracas Boys, recibió la herencia y el legado musical del locutor: las cintas magnetofónicas originales de sus programas.

Bolívar Navas, con mas de 30 años de experiencia en la Radio Venezolana, y quien fue designado en 2007, Patrimonio Cultural por la Alcaldía del Distrito Metropolitano de Caracas, es uno de los personajes imprescindibles para la comprensión de la cultura popular nacional, pues además de hombre de radio, fue en 1969 columnista y colaborador de la Revista Bohemia, columnista del Diario Meridiano, con su espacio "Crónicas con Salsa" en 1974, y facilitador de la Cátedra "La Canción Popular" en la Escuela de Comunicación Social de la UCV en 1989.

A partir del 10 de Enero del 2010, El Sabor y el Saber de Henrique Bolívar Navas se encuentra al aire, con la finalidad de retomar el legado de un personaje que ha sido y será forjador del patrimonio de la cultura venezolana y latinoamericana.

El espacio que conduce, edita y produce Jesús Pérez, con la colaboración en la producción de Héctor Acosta Rojas, y que se transmite por RNV Canal Musical los domingos a las 7:00 PM, coloca de nuevo en la radio a personajes arquetípicos del panorama de la música popular latinoamericana: Olga Guillot, Billo Frómeta, Canelita Medina, Rafa Galindo, Serenata Guayanesa, Estelita del Llano, Celia Cruz, Ismael Rivera, La Lupe, Julio Iglesias, Ali Primera, entre otros.

El Sabor y El Saber de Henrique Bolívar Navas.

RNV Canal Musical / Domingos 7:00 PM.

Homenaje a Pirela en CANTV (2008)

2011-08-19T19:06:00.000-07:00

Palabras de Luis Ugueto autor del libro "Lo que es la vida" en un homenaje a Felipe Pirela, realizado en el auditorio de la CANTV en el año 2008.

Entrevista a Miguel Itriago

2011-08-19T18:59:00.000-07:00

Entrevista al cantante venezolano, Miguel Itriago, realizada por Alfredo Churión en RNV.

La música

2011-08-15T13:22:00.000-07:00

“Es verdad, si no fuera por la música, habría más razones para volverse loco”

Piotr Ilich Tchaikovski

por: C.Luisa Ugueto

La música no es como las mujeres que quieren casarse, ni como los hombres que te desean, en ella no hay interés, ni disculpas, ni mentiras. La música es ganas y lealtad, ambición, y tolerancia, comprensión y alegría.

No encontrarás una melodía que te cuestione por haber llegado tarde, ni una canción que deje de reírse contigo porque no quiere casarse o ponerte cinco hijos, no hay fin en la música, ni disputa, ni separación. No existe sobre la tierra un solo acorde que amerite de un por qué para besarte en la boca o abrazarte. El sentido de la música se encuentra en sí misma, a diferencia de las relaciones humanas, que –erradamente- necesita marco y “orden” (como si eso existiera).

Por eso, es que en la música (no solo los músicos, mucho más quienes no lo somos y solo escuchamos y somos público) buscamos el amor perdido, ese que no hemos podido encontrar en nadie, ese afecto perfecto e incondicional que no rehuye, que no te embarca, que no se excusa, que no prela otros, que no jode, no te extorsiona, ni te obliga, que no te ciñe a una estructura social especifica: matrimonio, noviazgo, amistad.

La música es todos los efluvios y ninguno, es todos los amores y ninguno, porque nunca te pregunta para que la quieres, no tiene “utilidad”, no tiene “un lugar”, no tiene “un sentido”, la música es el sinsentido perfecto, porque no hay orden mayor que aquel que no esta regulado, el que sucede lejos de los condicionamientos del hombre, esos que se dan incluso en el afecto.

No hay regulaciones en la música, no hay condiciones en la música, no hay desolación en la música, ni tristeza, porque hasta morirse con música debe ser una nota.

Cultura popular, cuando no todo se ha dicho

2011-08-13T20:10:00.000-07:00

por: C.Luisa Ugueto

Podrían pasar muchos años, antes de que en Venezuela y en América Latina, las figuras de la cultura popular lograran ser vistos por completo como algo más que personajes de un pasado remoto y por tanto sin importancia. Podrían pasar muchos años, para que se les acoja como parte de la cultura y el arte, más allá de los prejuicios que categorizan a un artista, no por su méritos intrínsecos, si no mas bien por pertenecer o no, a un ámbito canónico que los respalde.

No sucede en toda la región por igual, que se vilipendie a los personajes inherentes a lo popular, tan solo por ser eso: populares. Por ejemplo, en México al igual que en otros países de América Latina (como Argentina donde Gardel tiene todo el respeto del mundo) “lo popular” posee categoría de Holywood. Nombro la llamada meca del cine, pues esa industria reverencia el pasado, en ella, Humphrey Bogart, no es en modo alguno un actor “viejo”. El famoso Rick de “Casablanca” es un “clásico” y por ende, parte de un canon que ha sido relegitimado un millón de veces. No solamente para la industria, también para el público, quien carece de prejuicios, pues sabe que la cultura es un arma, la forma más importante de colonización y que se alimenta del pasado, tanto como del presente.

Para los mexicanos, Pedro Infante es tan significativo (lo que representa, su arte, su valor como personaje referencial de la cultura, como actor y cantante), que incluso los intelectuales escriben sobre el, tal es el caso del libro de Carlos Monsivais, "Las Leyes del Querer" (2010). Claro que, para que un icono de la magnitud del artista mexicano posea “categoría”, no necesita ningún canon que lo respalde.

Dice John Carey en su libro “¿Para que sirve el arte?” (Debate, 2007), que “una obra de arte es cualquier cosa que alguien la considere como tal, aunque solo sea para ese alguien”. Todos sabemos –y los que no se lo imaginaran- que el establishment cultural o artístico (así como cualquier otro), construye a placer (bajo sus propios conceptos azarosos) su canon de lo que consideran “arte” o “valioso” y que en Venezuela lo que se entiende como “arte” o merece reverencia no ha sido necesariamente aquello relacionado con lo popular.

Si observamos el modo en que se considera la música popular (bolero, salsa, merengue, música latina en general) en nuestro país, nos daremos cuenta como, a diferencia de Holywood, los cantantes nacionales de otras épocas, las actrices, los actores, no son vistos como Humphrey Bogart, Sinatra o Ingrid Bergman. Estos no son “clásicos”, a pesar de la fama y el prestigio de muchos, a pesar del arte forjado durante años. El olvido es el lugar favorito para colocar a la mayoría, pues se tiende a vilipendiar o a olvidar lo que vamos dejando atrás mientras avanza el reloj.

Lo que no se toma en cuenta, es que estos, son parte de la cadena de la cultura del mundo y que muchos, tal es el caso de Felipe Pirela, han logrado traspasar la barrera del tiempo, sin canon, sin apoyo, solo con el eco de sus canciones.

Tal como escribe Javier Marías en sus novelas: “el mundo depende de sus relatores”, y así como un pintor que quiera innovar en su pintura, debe conocer a sus predecesores, la cultura de un país “no avanza” sin el conocimiento de los que nos precedieron en el camino.

El canon debe construirse a partir del talento y muy lejos de los prejuicios, porque sospecho que el verdadero Arte, es el lugar donde, como en la novela brasileña de 1988 "Vale Todo".

Lo que es la vida en Maracaibo (I)

2011-08-12T13:45:00.000-07:00

Luis Armando Ugueto autor del libro, Felipe Pirela "Lo que es la vida", en el Programa En Contacto con Enrique Rodriguez Mota en Global TV de Maracaibo. Miércoles 26 de mayo de 2010.

Para ver el resto: Nuestro Cana l.

Una religión llamada Pecos Kanvas

2011-08-11T12:26:00.000-07:00

por: C.Luisa Ugueto

Una vez escuché una anécdota: alguien estaba estacionado en una calle de Caracas, alguien cuyo vinculo conmigo es estrecho: mi papá. Alguien más, un transeúnte llevado por el azar, escuchó una melodía que salía de ese carro aparcado. El desconocido sorprendido –o fingiendo sorpresa- replicó: “¿De donde sacaste ese disco?", la fotografía completa de ese momento, incluye al otro hombre sonriendo al reconocer los bigotes del transeúnte: Pecos Kanvas, quien interpretaba “Por ti”, “Mas que a nadie” o “Rosa de fuego” (no recuerdo bien) desde el cassette de su carro, ese que siempre llevaba cuando íbamos de viaje.

Tres niños hacen apuestas: “A que no adivinas como se llama esa canción”, dice uno quien sostiene un disco de vinilo con una mano, mientas que con la otra tapa el índice que posee el nombre de los temas del lado B. Son casi las dos de la tarde, es tiempo muerto, vacaciones. Desde el otro lado de la cubierta del LP, unos bigotes y un afro con una media sonrisa los mira de lejos. “De año en año” dice una de las niñas, y no se ha equivocado. Pecos Kanvas, el cantante venezolano de los 80, suena en la sala de una casa entre discos viejos.

Vamos de viaje, no sé a donde, no sé porqué. Me aburro, no suelo pensar bien cuando me aburro. Voy en el carro de mi papá amargada, fastidiada, quisiera bajarme, pero tengo once años, así que no puedo. “Maria José la muchacha que cambio mi vida” dice una voz que se mete en mis oídos, aplacando el silencio de mi tedio. No logro entenderlo, pero me gusta, dejo de pensar en el aburrimiento, en mis padres y sus discusiones absurdas, en la incomodidad del asiento, en las ganas de vomitar cuando voy de viaje. No se quien canta, pero me gustaría darle las gracias.

Estoy corriendo, termine con un novio o quizás no, ya saben… los hombres son incomprensibles… “En la vida siempre suele suceder… que a los que queremos no nos quieren bien…” Is true. Sigo moviéndome, debo ser la única en esta ciudad que no corre sola, al menos Pecos Kanvas esta de mi lado. Thanks again.

Estoy en el apartamento de mi mamá, en Sabana Grande. Ella vive, esta en la sala mirando la televisión, son casi las cinco. En una web popular de noticias dan el reporte: “Pecos Kanvas esta muerto”. Que cagada, pienso en voz alta, y yo que nunca pude verlo en persona.

Ordeno los discos en la mudanza, los cuento, los limpio, descarto: ¿Dónde estará el MP3 pirata de Los Doors? ¿Qué se hizo Five, el original de Lenny Kravitz? Coño que aparezca Sinatra… Sigo rebuscando entre las cajas y maletas que un amigo me ha prestado para guardar las cosas. No se ve nada de lo que busco, no todavía, aparecerán tiempo después. Sin embargo, para mi sorpresa, encuentro un cd doble, que prueba que no fui tan tonta tras mi mudanza: nunca le devolveré a mi hermano este original de éxitos de Pecos Kanvas.

Felipe Pirela, la moral y las buenas costumbres

2011-08-09T18:19:00.000-07:00

por: Luis Ugueto en Perspectivas / La verdad del Zulia

Cuando supe lo de Ricky Martin y su repentina decisión de hacer pública su orientación sexual – lo cual era un secreto a voces – no puede evitar pensar en el caso del divorcio de Felipe Pirela en junio de 1966. En aquella oportunidad la esposa de Felipe, Mariela Montiel y su suegra, Aminta Prieto, lo expusieron al escarnio público contando los detalles más íntimos de su vida privada. Recuerdo siempre el relato de una oyente de mi programa de radio que por poco sufre una embolia al leer mientras almorzaba, en un diario vespertino, la noticia de la supuesta homosexualidad de Pirela. En una sociedad que veía con malos ojos hasta a las mujeres que se ponían pantalones largos (y peor los cortos) en vez de faldas con enaguas o fondos, cayeron como una bomba aquellas declaraciones donde Mariela explicaba con lujo de detalle como su marido le era particularmente “infiel”.

Al día siguiente de su confesión, Ricky Martin recibió el apoyo de fanáticos, cantantes, músicos, personalidades del show business y organizaciones Gay a nivel mundial, que publicaron en diferentes páginas de internet palabras de apoyo y solidaridad a su valiente gesto de salir del closet. A Pirela el escándalo de su divorcio le costó la carrera y el exilio. La prensa fue el escenario de sus problemas de alcoba en un litigio que duro 5 largos años, tiempo en el que los abogados de su mujer trataron de quitarle hasta la camisa y le impidieron con muchas artimañas salir legalmente del país. En ocasiones, recibió crueles burlas, rechiflas y ofensas hasta de empresarios y productores de radio que se rehusaban a poner sus discos. Algunos de sus compañeros del medio artístico le huían como si estuviera enfermo de lepra, otros murmuraban a sus espaldas e incluso después de muerto, un diario recogió el testimonio de una gran figura de la farándula nacional quien dijo, “demasiado camisón pa´ petra” refiriéndose a su fama y talento, como si estos le hubieran quedado grandes.

Después de “Living la vida loca”, Ricky Martin no había vuelto a ser tan popular a pesar de sus obras benéficas, ahora seguramente experimentará un repunte en la venta de sus discos y hará un gran tour. A Pirela ni sus apoteósicos éxitos internacionales, su record discográfico de más de un millón de copias vendidas, haber sido el primer cantante criollo en actuar en dos países distintos la misma noche o su conocida generosidad lo salvaron de ser visto como un pervertido y murió creyéndose rechazado por su propia gente. Hoy las cosas han cambiado, la moral y las costumbres no son las mismas de su época y el bolerista espera por su justa reivindicación como patrimonio cultural de Venezuela y el Zulia. ¿Cuándo lo llevaremos al panteón de los zulianos?

13 de Abril del 2010.

Amy Winehouse

2011-08-03T07:41:00.000-07:00

Por: Luis Ugueto en Perspectivas / La verdad del Zulia

Ella era una artista real, con alma. En la vorágine de la frivolidad y la fatuidad de los cantantes y músicos de moda Amy Winehouse se erigía como una personalidad artística genuina, original, una cualidad que en esta época es cada vez mas difícil de encontrar, por cuanto las estrellas mundiales parecieran haber sido creadas en un laboratorio de pos producción de Pro Tools, o en la sala de juntas de los altos ejecutivos de las compañías disqueras.

Recuerdo haberme sentido impactado cuando escuche por primera vez canciones como Just friens, Me & Mr Jones y Some unholy war, de su disco Back to Black, un álbum con un sonido excitante y poderoso, totalmente apartado de la tendencia musical del mercado por su concepto retro. El oído de Amy había sido formado escuchado Jazz y R&B, por lo cual su voz - sin parecerse a ninguna – evoca a figuras legendarias de estos géneros, que ella lograba amalgamar a través de su propio sonido. No obstante como un guiño a sus influencias musicales, se advierte en su propuesta cierta similitud con el grupo femenino The Shangri-Las.

Su muerte producto de los excesos de una vida llevada al limite y la fatídica coincidencia con Jimi Hendrix, Jin Morrison o Janis Joplin, quienes dejaron este mundo en circunstancias similares a los 27 años, la ha envuelto de cara al publico en un alo romántico, por aquello de que la tragedia, las drogas y las penas son parte de la vida de los ídolos. Sin embargo que absurdo resulta pensar que una persona pueda auto inflingirse tantos castigos o desear caer en desgracia solo por la idea de la inmortalidad y las ventas millonarias pos Morten. ¿Será posible que el talento pueda nutrirse de los vicios, la mala suerte, la soledad y el miedo? Creo que tanto Amy, como Felipe Pirela, Héctor Lavoe o La Lupe, habrían preferido llevar una existencia mas placida y menos acontecida a cambio de un poco de menos fama.

José José

2011-07-28T12:23:00.000-07:00

Por: Luis Ugueto para Conarte

Al ver a José José en sus últimos conciertos no dejo de preguntarme ¿quién permite que se exponga de esa manera? Ya no valen los esfuerzos, por mas técnica que tenga el príncipe desafortunadamente su voz se agoto como consecuencia de sus excesos y problemas de salud. En el cierre del homenaje del Latín Grammy 2008 el poema que recito (con todas las dificultades que también tiene para hablar) fue un ruego y tal vez la expresión mas sincera de su depresión ante la perdida irremediable de sus facultades de cantante. Según dice el propio José José la necesidad económica lo obliga a continuar presentándose. No obstante pareciera que se niega a dejar de ser lo que ha sido y se resiste a retirarse por puro ego artístico, lo cual pone de manifiesto cuando afirma en las entrevistas que ha recuperado su voz.

José Jose es sin lugar a dudas uno de los mejores cantantes de México, maestro del tenuto y la respiración, dos recursos que lo identifican y que aprendió escuchando los discos de Johnny Mathis. Su primera visita a Venezuela ocurrió los primeros días de noviembre de 1970. Había participado a comienzos de ese año en el Festival de la Canción Latina donde gana el segundo lugar con el tema de Roberto Cantoral, “El triste”. Su viaje a nuestro país había sido postergado en varias oportunidades y cuando llego por fin, no causo el revuelo que se esperaba. Se enfermo en el viaje, venia de triunfar en Panamá y los periodistas de farándula como Yolanda Herrera fueron muy duros con el, “ es un triste cantante que pudiera hasta considerarse frío, porque es poco lo que trasmite a pesar de que las canciones que interpreta son bellas”. Momento (noviembre 1970)

Hasta ese momento, además de “el triste”, su otra balada de éxito era “La nave del olvido”, sin embargo en Caracas el publico conocía y apoyaba la versión de Mirtha Pérez. Para la prensa José José quiso dar una imagen de hombre sufrido que lo ayudara a vender sus discos. Las cámaras lo fotografiaron muy pálido y acostado en la cama de su hotel, recuperándose de una intoxicación para poder cumplir con sus dos semanas de contrato. En las entrevistas hablo mucho de la hipocresía, de su niñez infeliz, de las guerras en el mundo, de la pobreza, de una chica rica que lo abandono y remato diciendo esta perla, “estoy cansado de la fama, me siento enfermo y muy solo”, nadie le creyó.

En sus próximas visitas a Venezuela le fue mucho mejor, ya no solo se había hecho mundialmente famoso, también comercializaba sus propias derrotas y vicios en reportajes y películas. Ningún medio se le adelanto. Pocos artistas han tenido una vida tan cercana a sus canciones, como el mismo dice, es el compañero romántico de millones de personas. Quizás por eso todavía es un ídolo sin importar que ya no pueda cantar como antes.

Sadel y “Big Ben”

2011-07-18T15:09:00.000-07:00

Por: Luis Ugueto para Correo Cultural.

Alfredo Sadel fue un ídolo bien conectado. No hablemos de su maravilloso talento, deslumbrante aspecto físico y carisma, es un hecho que en su estrellato jugaron un papel muy importante sus relaciones personales. Superados los tropiezos que todo novel atraviesa en sus inicios, hacia 1952 Sadel tenia como manager a Rodolfo Wellish “Big Ben”, un hombre muy influyente en la incipiente farándula venezolana. Wellish, era el director de la revista especializada en cine y espectáculo “Mi Films” donde Alfredo llego a tener su propia columna de opinión llamada “La gente y los toros”. Luego, cuando comenzó la televisión, “Big Ben”, presento por muchos años un programa muy popular en Radio Caracas TV, en el cual Sadel actuaba con muchísima – o tal vez demasiada – frecuencia.

En Mi Films, Alfredo era motivo – desmesurado – de toda clase de artículos, notas, entrevista y muy a menudo de la portada. Wellish, le brindo a Sadel un apoyo incondicional, mas allá de sus obligaciones comerciales. Estaba empeñado en hacer de él una luminaria internacional y en enero de 1952 lo llevó a New York y Los Ángeles para presentarlo en los círculos artísticos de la “Gran Manzana” y Hollywood. En las fotografías del viaje que publicaron algunos diarios capitalinos – y por supuesto en Mi Films en paginas centrales – Sadel no dejo escapar ni la más mínima sonrisa, como si se sintiera ajeno a ese mundo de frivolidades.

En Norteamérica concretaron los términos de su contrato con RCA Víctor y fueron directo a México a los estudios de grabación de la compañía a montar las primeras pruebas. Volvería unos meses a Caracas para hacer presentaciones y dejar todos sus asuntos personales en orden, pues en junio debía volver a New York con la disposición de quedarse el tiempo que fuera necesario. La noche del 13 de agosto de 1952, las hondas hertzianas dieron a conocer de forma oficial la música de Alfredo a una audiencia de miles de escuchas en Estados Unidos y el caribe, a través de la estación de radio “La voz de América”. Semanas después salieron al mercado sus dos primeros discos de 78 rpm, distribuidos en Venezuela por el Almacén Americano.

En adelante, Alfredo Sadel se convirtió en el paradigma del criollo exitoso, el más elocuente símbolo de las aspiraciones de un país que despertaba a la modernidad. La prensa y muy particularmente la revista de su manager, se encargaron de difundir su éxito en cientos de reportajes por toda la década del cincuenta, una época en la cual su voz no tuvo competencia, ni tampoco Wellish “Big Ben” rival como representante.

Nunca he sido perdedor, conversaciones con Raúl Naranjo

2011-07-10T18:40:00.000-07:00

por: C.Luisa Ugueto

Fotografías: Rebeca Fandiño

Los tacones de flores que me he puesto me alzan unos centímetros por encima de mi estatura, esto siempre me hace titubear, caminar con precaución, medir cada paso. Menos mal que no hay escaleras, pienso, cuando llego al edificio ubicado en la urbanización ” Los Caobos" de Caracas.

Las entrevistas son como todo en la vida, un azar, nunca se sabe que pasará. Siempre existen algunas “posibilidades” desagradables que enfrentar: que el entrevistado llegue tarde, o que seas tú el retardado, que olvides la grabadora, las pilas. En fin… mejor no sigo, el azar como decía Facundo Cabral “controla” todo, la estabilidad no existe. Afortunadamente, esta noche no pasa nada, junto a la reja me espera puntualmente Raúl Naranjo.

Las épocas también son parte del azar, lo mismo pudimos nacer en los 70, 80, o 60, en realidad eso no tiene mucha importancia para algunas cosas. Así que, da lo mismo que no entienda bien el relato que estoy escuchando, no puedo imaginar completamente las calles, la moda y la gente de esa Caracas de 1950 de la que me habla Raúl Naranjo.

Me cuesta imaginar todo, pero la música que “es la reina madre” como dice Fito (Páez), más allá de las épocas, se impone, trasciende los espacios del tiempo, con eso sí me conecto cuando el
cantante comienza a hablar.

Comenzar por el principio

Raúl Naranjo tiene buena memoria, sus anécdotas llenan toda la conversación. Anécdotas sobre mujeres, amigos y una época, que aunque lejana, regresa en cada palabra que pronuncia esta noche, algo fría. Hace algún tiempo que vive solo, pues su mujer, con la que compartió más de treinta años de matrimonio, abandonó este mundo dejándolo en compañía de sus recuerdos. De su matrimonio con la actriz Eva Blanco habla poco, pero lo suficiente como para nombrar a su hijo, quien reside en México.

Como en la película de Cher “If These Walls Could Talk” (Si las paredes hablaran 1996), su casa ha visto muchos más sucesos de los que puede contar en los 47 años que lleva viviendo allí.
Personajes como Monna Bell, Toña La Negra, Tin Tan, La Tongolele, Espartaco Santoni, Lucho Gatica, lo visitaban buscando amistad y música, ambas cosas prodigadas por el cantante en igual medida. Corrían los años 60 y “El Pirata de la canción” como era conocido, ya era un personaje que se movía a su aire en la música y la farándula nacional.

Naranjo responde con rapidez cada pregunta, tiene salidas para todo, así que puntualmente voy a lo que me interesa al indagar sobre sus inicios: “En esto de la música no me metí… me metió Álvaro Peñalver, tenía una revista que se llamaba Semana del crimen o algo así. Él era periodista, lo conocí en la Plaza Candelaria, porque allí pasábamos el tiempo, el grupito de esa época”. Ese grupito estaba conformado por Simón Díaz, Héctor Cabrera y él mismo.

El cantante, que sería conocido años después como “El pirata de la canción”, recuerda que fue Peñalver quien propició su acercamiento con Alfredo Sadel: “Él me dijo, si tú quieres entrar en esto entra, pero es difícil” relata.

De esos comienzos difíciles, como se lo pronosticó Sadel, rescata la alegría de su amistad con Héctor Cabrera. Ambos llegaron juntos a una de sus primeras oportunidades, en el Centro Canario, para vocalizar en compañía del maestro Juan Martin De Armas: “Él me llevó, vocalicé ese día pero estaba muy nervioso, entonces Héctor me dijo que al profesor no le había gustado, y me propuso ir el siguiente. Esa vez, para darme valor, me tomé dos rones. A los 9 meses Álvaro me llevó a la Feria de exposiciones de Venezuela en La Castellana. Fuimos Simón Díaz, Héctor Cabrera y yo, a hacer pruebas. Allí me dijeron: empiezas esta noche pero si no repites no cantas más, repetí y seguí cantando” me cuenta.

Fue en el año 1951 cuando comenzaría a cantar profesionalmente en la radio y en diferentes programas de la televisión nacional: El Show de Saume, El Show de las doce, El Show de Renny, Radio Caracas, Radio continente, Venevisión, y el Canal ocho.

Una de las anécdotas de sus comienzos la relata entre risas. La primera vez que los presentaron, a él y a Héctor Cabrera, invirtieron sus nombres: “El locutor nos presentó como Raúl Cabrera y Héctor Naranjo. Siempre andábamos juntos”.

El último café

Nadie sabe de dónde salen las canciones, la música es como el amor, llega sin motivos. Naranjo comenta que con sus canciones es algo más o menos así, la composición es un ejercicio cotidiano, se le ocurren ideas, melodías fundamentalmente relacionadas con las mujeres que ha conocido. Sin embargo, uno de sus éxitos no es de su autoría. En 1963, grabó el tango, “El ultimo café”, tema ganador de un Festival en Argentina. El tema fue cantado en versión de bolero por Tito Rodríguez. Cuenta que estando en Puerto Rico le cedió la canción al cantante puertorriqueño: “Le di la copia de la cinta, se la hice llegar, la pidió porque le gustaba. Yo lo grabé en Buenos Aires con la orquesta de Miguel Caló” rememora.

La noche en que Daniel Riolobos si cantó

Son casi las ocho, los tacones que llevo puestos ya me pesan, tengo ganas de quitármelos. Se ha hecho tarde rápidamente, la conversación me ha sustraído, he perdido el sentido del tiempo, recuerdo que a estas horas, en mi casa ya estoy desvistiéndome, quedándome en ropa interior preparándome para dormir. Pero bueno, esta es una noche diferente, la conversación con Naranjo me cambió los planes.

Construyendo un relato de su vida mentalmente, tratando de imaginar, llama mi atención cuando nombra a Daniel Riolobos, el cantante argentino prematuramente desaparecido: “Yo fui presidente de los artistas de la Asociación venezolana de la escena en el año 54 y a Riolobos no lo querían dejar presentar. El había cantado para Chapita (Rafael Leónidas Trujillo, el dictador de República Dominicana) en Santo Domingo, por eso Pérez Jiménez no quería quese presentara aquí.” me explica.

Naranjo cuenta que se las ingenió para llevar a feliz término la presentación de Riolobos, y que tiempo después, se encontró con Pérez Jiménez, a quien le gustaba escucharlo cantar, éste lo increpó sobre su participación en el asunto del cantante argentino: “Y yo le dije: Usted es presidente de Venezuela, pero yo soy presidente de los artistas, y por eso los defiendo”

Seguir Cantando

La carrera de Raúl Naranjo no se ha detenido, a pesar de que en 1985 se retiró por voluntad propia de los escenarios, hace 4 años que volvió al ruedo realizando presentaciones de todo tipo. Ha compartido escenario con El Trío Venezuela, para quienes compuso un sinfín de canciones. Se ha presentado acompañado por Jesús Rafael Pérez y Daniel Jiménez, compartiendo tarima con su colega Miguel Itriago. De hecho, hace más de un año publicó su último disco, “El ultimo café y otros éxitos”.

Su presencia la podemos disfrutar en festivales del bolero y conciertos organizados en distintos lugares de la ciudad. Dice que ahora su obsesión es interpretar, nada de dejar salir la voz como una ráfaga, tal como acostumbraba en su juventud. Ahora se enfoca en darle a cada canción el matiz adecuado: “Los compositores lo que quieren es que se les interprete sus canciones con el sentido exacto con el que las escribieron, es lo que yo intento hacer” afirma.

Cuando apago el grabador me dice que espera seguir presentándose, le sorprende que en estos tiempos ha recibido mejores elogios que a los 19, quizás esto se deba a que este no es un nuevo comienzo, si no la continuación de una historia que jamás se ha acabado: “Nunca he sido perdedor, donde he trabajado me han recibido bien” dice.

Boleros: We could be so good together!

2011-06-29T19:51:00.000-07:00

Raúl Naranjo y Miguel Itriago presentes en el Festival Nacional de Boleros

por: C.Luisa Ugueto

1

Pienso en la canción de Los Doors, pero no la escucho. Es de tarde, sé que llegue aquí por casualidad, coleada, como a casi todo en la vida. En realidad, mi hermano es el productor, tengo influencias, por eso estoy en una posición privilegiada. El tiene años detrás de la pista de Raúl Naranjo y Miguel Itriago, dos cantantes venezolanos que estuvieron en boga muchos años atrás. Sé que no voy a reconocer en mucho la mayoría de las melodías que toquen los músicos presentes en el estudio, entre ellos, Jesús R. Pérez. Pero la música, que lo envuelve todo, me descubre un panorama de canciones y un repertorio que se me antoja cool, interesante. El tiempo pasa como un tren, se escuchan murmullos, chistes, se cierra la tarde.

2

Ahora es de noche, estoy en Terrazas del Ávila, las luces del local son endebles, no permiten ver en demasía la cantidad de público que llena la sala. Tomo una cerveza, esta fría, la noche pinta emocionante, de nuevo los músicos se preparan para tocar, esta vez acompañando solo a Miguel Itriago. Nadie lo reconoce, nadie se acuerda de quien fue en un tiempo ya lejano. A veces pasa así, la memoria olvida lo que otros sentidos recuerdan, y el auditorio efusivo que aplaude de pie al viejo cantante una hora después lo reafirma. Itriago, aunque ha perdido la practica, demuestra que igual que manejar bicicleta, cantar no se olvida. Al menos no tan fácil.

He visto algunas veces en vivo a Itriago y a Naranjo, quien, hace dos años grabó su último CD: “El último café y otros éxitos”. También asistí a los ensayos de lo que seria uno de sus conciertos, algo totalmente improbable, porque se supone que Naranjo, estaba “retirado”. No me alcanzan los años para conocer su trayectoria, pero si su sentido del humor: irreverente, humeante, desconcertante.

A Miguel Itriago lo conocí en la misma sesión, pausado y silencioso, pero dispuesto y atento cuando se trata de cantar.

Ahora que comienza “El Festival Nacional de Boleros” no se pueden perder estos dos cantantes venezolanos, parte de la historia de la música de este país, tal como Pirela, Héctor Cabrera, Sadel y tantos otros nombres que ocasionalmente se difuminan en el tiempo.

Ambos estarán el 2 de Julio en el Teresa Careño, Sala José Félix Rivas a las 5:00 pm.

donniebrascols@gmail.com

http://elproyectordedonnie.blogspot.com/

Conversatorio ‘Felipe Pirela, una vida de bolero’

2011-06-29T19:43:00.000-07:00

Conversatorio ‘Felipe Pirela, una vida de bolero’

Proyección del documental sobre la vida de ‘El bolerista de América’ con comentarios de su autor, el investigador Luis Ugueto

Sábado 2 de julio / 2011

Hora: 2 p.m.

Lugar: Platillo Protocolar TTC

Festival Nacional de Boleros reunirá a 41 músicos en el Teatro Teresa Carreño

2011-06-27T19:53:00.000-07:00

Son 41 músicos lo que participarán en la segunda edición del Festival Nacional de Boleros, evento organizado por la Fundación Compañía Nacional de Música (FCNM), que tendrá lugar en la salas José Félix Ribas y Ríos Reyna del Teatro Teresa Carreño, en Caracas, desde este miércoles 29 hasta el domingo 03 de julio.

El festival, que se realizará conjuntamente en los estados Vargas y Carabobo, incluye conversatorios y una exposición audiovisual y fotográfica "El Bolero en Venezuela 1940-2000", perteneciente al Museo de la Tradición Musical de Venezuela, ubicado en San Juan de Los Morros, en Guárico.

La programación se inicia el miércoles a las 3:00 de la tarde en el Platillo Protocolar del TTC, con el conversatorio "El bolero en Venezuela", a cargo del investigador Luis Ugueto. Contará además con la participación musical de Inés María Bravo, Josué Hernández y Geniver Graci.
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El sábado, a las 2:00 de la tarde, en el Platillo Protocolar, se proyectará el documental Felipe Pirela: una vida de bolero realizado por el investigador Luis Ugueto.

A las 3:00 de la tarde, en los espacios abiertos del TTC, se presentarán el Trío Romántico de América y agrupaciones del Distrito Capital y a las 5:00 de la tarde en la José Félix Ribas, se presentarán Raúl Naranjo, Miguel Itriago, Rodrigo Mendoza y Edgar “El abuelo” Rodríguez.

La entrada a los conversatorios y tertulias es gratuita, mientras que para los conciertos tendrán un valor de Bs.10.

Con Información de AVN.

Pirela en Billboard 1967

2011-04-27T08:09:00.000-07:00

Un vampiro y un bolerista triunfaron en el Premio Municipal deLiteratura 2010

2010-07-22T16:15:00.000-07:00

En el apartado de novela ganó una historia policíaca y en el de investigación un perfil de Felipe Pirela

El Nacional 22 de julio 2010. Por Michelle Roche Rodríguez

Vampiros maracuchos y cantantes de boleros tendrán mucho que celebrar desde hoy, a las 9:00 am, cuando la Comisión Permanente de Educación y Cultura del Municipio Libertador entregue los galardones correspondientes al Premio Municipal de Literatura 2010, en la Casa del Artista, a los autores de la novela Un vampiro en Maracaibo (Alfaguara, 2008) y de la biografía Felipe Pirela. Lo que es la vida (Aguilar, 2009).

El fallo del premio se dio a conocer el 22 de junio. Por decisión unánime, el jurado integrado por tres profesores de la Universidad Central de Venezuela (Gisela Kozak, Carlos Sandoval y María Eugenia Martínez) le concedió a Norberto José Olivar, historiador y narrador zuliano, el Premio Municipal de Narrativa 2010, mención novela, por la obra Un vampiro en Maracaibo.

Chupar sangre con humor

En la novela, un profesor de historia, Ernesto Navarro, se obsesiona con unos casos de vampirismo y se asocia con un "viejo ex petejota", Jeremías Morales, para que lo ayude a determinar su veracidad, y comienza a enredarse en una cadena de sucesos curiosos en el estado Zulia. Lo más interesante de la obra de ficción es que el estilo combina la parodia con la ironía y lo más insólito es que está sustentada en hechos reales ocurridos hace décadas en la entidad.

"Aparte del lugar común de decir que estoy comprometido con la literatura, tengo que señalar que estoy muy contento, porque esta nueva insignia que le ponen en el pecho al vampiro sirve para llamar la atención sobre el desierto literario que es el Zulia. Me contenta que este vampiro playero sea tan mimado en la capital, porque este es el segundo galardón que le otorgan", dice Olivar, que el año pasado obtuvo el Premio de la Crítica a la Novela del Año de Ficción Breve.

En octubre, saldrá a la venta otra novela de Olivar, basada en la vida del poeta zuliano Hesnor Rivera. El autor, sin embargo, no define la obra como una biografía o un perfil: "Trata, más bien, de su manera de ver Maracaibo y su trabajo literario pero, por supuesto, muestra muchas locuras típicas de la zona y aparecen platillos voladores y predicadores del fin del mundo".

Puro bolero y ritmo

En la mención de Investigación Histórica, resultó ganador Luis Ugueto, autor de Felipe Pirela. Lo que es la vida, un reportaje biográfico dedicado a quien fue una de las voces más representativas del bolero en Latinoamérica. El jurado, integrado por los historiadores Eleonora García, Roger Blanco-Fombona y Emilia Troconis de Veracochea, decidió entregarle el galardón a Ugueto por considerar que la obra, documentada con precisión, deja un legado importante para la cultura popular venezolana.

"El premio no es sólo un reconocimiento a mi trabajo de investigación, que es más bien intuitivo porque yo no tengo estudios universitarios sino que soy autodidacta. Es, además, un paso para que la música popular sea tomada en cuenta en otro nivel, en el cual un jurado de académicos le otorgó un galardón a un libro sobre un personaje ligado a ese género al que nunca le han dado su justo valor. La distinción es también para Pirela y la manera en que nos ha representado", señala Ugueto, que trabaja en un compendio de crónicas sobre la música venezolana.

Premio Municipal de literatura 2010 para "Lo que es la vida"

2010-07-15T15:07:00.000-07:00

Nota de prensa de Santillana.

La celebración oficial será el próximo 22 de julio

Alfaguara y Aguilar celebrarán dos galardones del Premio Municipal de Literatura 2010

El pasado 22 de junio, un jurado convocado por la Comisión Permanente de Educación y Cultura del Municipio Libertador le otorgaron a Norberto José Olivar, autor de Un vampiro en Maracaibo, y a Luis Ugueto, autor de Felipe Pirela. Lo que es la vida, el Premio Municipal de Literatura 2010 en las menciones Novela e Investigación Histórica, respectivamente.

El acto de premiación, que será organizado por la comisión de cultura adscrita a este municipio, se realizará el próximo jueves 22 de julio, en los espacios de la Casa del Artistas, a las 9 de la mañana.

Por decisión unánime, el jurado integrado por Gisela Kozak (UCV), Carlos Sandoval (UCV) y María Eugenia Martínez (UCV) le concedieron a Norberto José Olivar, historiador y narrador zuliano, el Premio Municipal de Narrativa 2010, mención Novela, por su obra Un vampiro en Maracaibo.

La historia, que narra las peripecias de un profesor neurótico que anda tras la pista de un hombre obsesionado en beber sangre, obtuvo el galardón porque ofrece una estructura narrativa atractiva a partir de la muerte como tópico central. Las palabras del veredicto lo reiteran: “Un vampiro en Maracaibo logra materializar una historia divertida e interesante en una prosa eficaz y fluida que transmite al lector una visión jocosa pero profunda de la muerte”.

En septiembre de 2009, la novela de Olivar se alzó con el Premio de la Crítica de la Novela del Año de Ficción Breve, galardón que se falló por primera vez con un jurado conformado por reconocidos críticos literarios del país: Carlos Sandoval, de la Universidad Central de Venezuela; Mariana Libertad, de la Universidad Simón Bolívar y Arnaldo Valero, de la Universidad de Los Andes.

Por su parte, Luis Ugueto, autor de un incuestionable y amplísimo trabajo sobre la vida de “El Bolerista de América”, se llevó el Premio Municipal de Literatura, mención Investigación Histórica, gracias al reportaje biográfico dedicado a Felipe Pirela, unas de las voces más representativas del bolero en Latinoamérica. El jurado, conformado por los historiadores Eleonora García, Roger Blanco-Fombona y Emilia Troconis de Veracoechea, decidió entregarle el galardón a Ugueto por considerar que su obra, documentada con precisión, deja un legado importante en la cultura popular venezolana.

Para el Grupo Santillana ambos premios representan la acertada búsqueda de autores nacionales capaces de seducir al público con una prosa de calidad, no exenta de lirismo y sencillez. Así como Luis Ugueto y Norberto José Olivar, Eduardo Liendo, Oscar Marcano, Inés Quintero, Hugo Prieto, Armando Coll, Milagros Socorro, Marianela Balbi y Federico Vegas son algunas de las plumas que certifican el incesante interés de la editorial por la literatura nacional.